FLORENCE WELCH : l’écriture comme outil de guérison et d’exploration du mysticisme. L'interview sur Apple Music

Florence Welch, voix charismatique et âme de Florence + the Machine, a rencontré Zane Lowe d'Apple Music pour une interview intime à l'occasion de la sortie du nouvel album «Everybody Scream« le sixième chapitre de la carrière du groupe, sortira le 31 octobre.

Dans le dialogue, l'artiste britannique a parlé d'elle-même avec une rare sincérité, révélant le voyage émotionnel et spirituel qui a accompagné l'écriture de l'album. Entre références au mysticisme, visions oniriques et comparaison profonde avec l'occultisme, Tout le monde crie pour Welch, cela devient non seulement un exercice artistique, mais un véritable rite de guérison : une manière de transformer la douleur en énergie créatrice et de retrouver, une fois de plus, sa voix entre la lumière et l'obscurité.

L'ENTREVUE

Je pense qu'il y avait une urgence derrière ce disque. Cela est sorti de moi comme une explosion furieuse. Et c'est un de ces albums qui, si je ne l'avais pas sorti maintenant, ne serait jamais sorti, parce que ce que je ressentais est si spécifique à ce moment. Ce disque m’a explosé et il est né presque comme un mécanisme de survie.
Comme pour tous les disques, il y a toujours cette période où vous pensez que vous ne le terminerez jamais, ou que vous ne trouverez pas la bonne personne avec qui travailler, ou que le producteur que vous aviez en tête n'est pas disponible, et puis vous vous dites : « Oh mon Dieu, maintenant qui… »

Et vous vous retrouvez au milieu de toute une infrastructure, avec quelqu’un d’autre…

Exact. Et puis vous pensez que le disque n’arrivera jamais. Et quelqu’un dirait : « Eh bien, nous pouvons le reporter. » Mais je me suis dit : « Non, pas celui-là. Soit il sort maintenant, soit il ne sort jamais. Dans quelques années, je ne ressentirai plus ça. » Il y avait donc vraiment une férocité dans ce projet. Je l'ai fait presque dans une sorte de brouillard. Je pense que j'étais encore en train de traiter ce qui m'était arrivé, et j'avais un niveau de SSPT où, une fois l'enregistrement terminé, je me suis retrouvé à penser : « Attendez, que vient-il de se passer ?

Florence Welch dit qu'elle est entrée en studio avec les chansons déjà écrites

J’ai écrit certains d’entre eux directement en studio, mais oui, j’arrive généralement avec beaucoup de mots. Je me sens étrange si j'entre en studio sans paroles. Habituellement, ce qui me pousse à enregistrer, c'est le fait que j'ai une chanson déjà écrite. « One of the Greats », par exemple, était un très long poème que j'ai commencé à écrire en tournée. J'avais également commencé à partager un fichier de notes avec Mark Bowen d'Idles, et nous avons commencé à y ajouter des éléments. J'avais « One of the Greats », « Kraken », « Buckle » qui flottait pendant un moment, mais il manquait toujours « Everybody Scream » – je n'avais que le titre. Alors j’ai écrit : « Florence + The Machine, Everybody Scream – chanson à venir. » J'ai toujours tendance à partir des mots. Cependant, cela peut parfois s'avérer difficile, car la structure est déjà tellement définie qu'il devient compliqué de trouver le bon son. Vous vous retrouvez à dire : « D’accord, la chanson est prête… mais bon sang, à quoi ça ressemble ?

Cela me fascine beaucoup de voir ceux qui partent du son, ceux qui chantent des phrases dénuées de sens pour trouver la mélodie. Je le fais rarement – peut-être que je l’ai fait une ou deux fois au cours de ma carrière. Il y a généralement une histoire, ou un poème qui a pris forme, et c'est ce que j'apporte en studio. Et puis, avec la musique, il faut construire le film, créer avec les sons l'image de ce que raconte la chanson.

Vous avez dit que « One of the Greats » avait commencé comme un poème alors que vous étiez en tournée. C'est une chanson ironique, tranchante, rebelle et vulnérable à la fois – un courant de conscience qui…

Un courant de conscience en colère.

Du genre : « Va te faire foutre, va te faire foutre, je suis génial – mais peut-être pas assez génial, comment puis-je l'être ? C'est génial.

Oui, « hé, pourquoi tu ne m'aimes pas? »

Exact! Alors, que s’est-il passé pendant cette tournée pour vous faire ressentir ce mélange d’insécurité et de défi ?

Je pense que la chanson résume bien la situation. C'est une chanson qui s'auto-sabote continuellement. Elle dit « Je suis ceci, je suis cela » et elle parle de ce cycle « Je suis le meilleur, je suis le pire, je suis le meilleur… » – qui est typique du processus créatif.
J'écris beaucoup en tournée, car j'aime écrire quand je suis en déplacement ou quand je rêve, pendant mon temps libre. Je pensais à la « grandeur » et au prix que cela implique. Après chaque album je me dis : « Avec ça je serai satisfait, cette fois ça ira. » Et cela n'arrive jamais. Ensuite, je réfléchis au coût de la grandeur – le coût pour ma santé mentale, pour ma vie et pour ceux que j'aurais pu avoir. C'est une chanson sur la brutalité de l'ambition, sur la violence de la quête de la grandeur : sur ce que l'on s'inflige à soi-même et à ceux qui vous aiment pour y arriver. Chaque interaction, chaque instant devient matière à une chanson. Vous manquez des moments familiers et cela ressemble à une course sans fin. A chaque fois, on oublie combien c'est difficile, mais après chaque tournée, on se dit : « Je le referai, et cette fois ce sera la bonne, je serai heureux. »
Quand tu es jeune et que personne ne te prend au sérieux, tu ne penses pas que c'est parce que tu es une jeune femme – tu penses que c'est de ta faute, que tu es énervante, que tu es trop. Et ça fait mal, surtout au début.

Florence Welch raconte à Apple Music comment l'écriture de «Everybody Scream» l'a guérie et l'a aidée à se connecter avec de nouveaux publics

Vous ne pouvez pas vous empêcher d’absorber le sentiment que vous n’êtes pas assez bon ou qu’il y a quelque chose qui ne va pas chez vous parce que vous n’êtes pas du goût de tout le monde. Quand tu es jeune, ce truc pénètre en toi. Mais je pense que j'ai eu une sorte de révélation en continuant simplement à créer. Voir des gens à mes concerts, et maintenant voir des jeunes découvrir mes chansons et les aimer vraiment, m'a guéri de tant de honte que j'avais ressenti au début à propos de ma « grande », de mon expressivité, de mon caractère théâtral.
Maintenant, je comprends que ma musique est pour ceux qui sentent qu'elle leur appartient, et pour ceux qui ne la sentent pas… ce n'est pas grave. Je ne suis pas obligé de plaire à tout le monde. Chaque fois que je faisais un disque, je disais : « Je me fiche de ce que pensent les gens. » Mais je pense que c'est la première fois que c'est vraiment comme ça, parce que ça m'a coûté cher. Maintenant, je sais à qui c'est, et ça a changé.

J'ai toujours parlé de la « prescience » qui existe parfois dans l'écriture. Il y a une phrase dans « King » – « Je ne savais pas que mon tueur viendrait de l'intérieur de moi » – et c'est une chanson sur la maternité. Et puis, pendant la tournée, j'ai fait une fausse couche sur scène. C'était dangereux, j'ai été transporté d'urgence à l'hôpital, j'ai eu une hémorragie interne et j'ai dû être opéré immédiatement. Je ne voulais pas venir, je voulais juste continuer à jouer. J'ai dit : « Je vais y arriver, j'ai surmonté beaucoup de choses sur scène. » Mais ils m'ont forcé à y aller et dès qu'ils m'ont examiné, ils m'ont immédiatement emmené à la salle d'opération. Dix jours plus tard, j'étais de retour sur scène pour chanter la même chanson. Je ne sais pas comment elle a fait. J'étais complètement dans le brouillard.

Pensez-vous que c'était une façon de gérer la douleur ? Revenir sur scène pour survivre à ce qui s'est passé ?

Oui. Je ne voulais pas que la tournée se termine comme ça. Il ne restait que deux concerts et j'avais l'impression qu'on m'avait déjà enlevé quelque chose que je n'avais pas choisi. Je ne voulais pas non plus rater la fin de la tournée. Et la scène a toujours été le seul endroit où je sens que j’ai le contrôle et le pouvoir. Un avortement extra-utérin est extrêmement douloureux. Avant le concert, je ne savais toujours pas ce qui m'arrivait, je souffrais terriblement, mais dès que je suis monté sur scène… tout a disparu. Le vent soufflait, j'étais dehors, et c'est comme si quelque chose m'emportait. C'est étrange, n'est-ce pas ? Vous pensez qu’après un tel traumatisme, vous ne voudriez plus jamais revenir sur cette scène. Mais pour moi, c'était le contraire. Cela m’a rendu encore plus impressionné par le pouvoir de la musique et de la performance. Je savais que je reviendrais. C'était ma façon de boucler ce cercle.

Florence Welch raconte à Apple Music qu'elle a exploré le mysticisme, la sorcellerie et l'occulte en écrivant « Everybody Scream »

Je me sentais complètement hors de contrôle de mon corps. J’ai donc commencé à explorer les thèmes de la sorcellerie et du mysticisme. Partout où je regardais, dans les récits de naissance, je trouvais des légendes de sorcières, des mythes populaires, des horreurs folkloriques…

Et des femmes profondément incomprises.

Exact. Les premières femmes jugées comme sorcières étaient souvent des sages-femmes. Ou des propriétaires fonciers – des femmes qui possédaient quelque chose que d’autres voulaient. Et puis elles sont devenues des « sorcières ». Il y avait aussi des femmes qui vivaient simplement en dehors du moule traditionnel.

Comme vous l'avez dit, ce serait bien si les hommes trouvaient leur pouvoir en toute sécurité.

Déjà. (Rires) « Tu as trop de moutons ? Sorcière ! »
Alors oui, j’ai fini par me fabriquer de véritables chaudrons aux herbes. J’avais besoin de moyens naturels pour guérir, en plus des moyens médicaux. Je cherchais une autre sorte de force.

La musique vous aide-t-elle à vous connecter avec ceux qui ont vécu un traumatisme ?

Le cadeau de traverser quelque chose de terrible est que vous pouvez également serrer dans vos bras quelqu'un qui a vécu cela. Et c’est pour moi le sens de l’écriture : créer du lien, pouvoir serrer quelqu’un dans ses bras même si l’on n’est pas physiquement avec lui.

Florence Welch parle à Apple Music de « parfum et lait »

C'est intéressant, parce que cette chanson est sortie environ deux ans après l'événement. Il s’agissait du processus de guérison, de regarder les saisons changer, les choses grandir puis revenir à la terre – et de se sentir partie intégrante de ce cycle naturel. C'est une chanson qui dit que la guérison n'est pas linéaire. Alors que j'essayais de clôturer l'album, les émotions sont soudainement revenues : la peur, le traumatisme.
Ce disque m'a beaucoup guéri, même simplement en étant dans la nature. Le studio d'Aaron (Dessner) se trouve dans la vallée de l'Hudson, à New York. Je restais dans une petite maison à la lisière des bois – je me sentais comme une sorcière à la lisière du village. En relisant les premiers passages, j'ai essayé de comprendre en quoi ils se rapportaient à ce que j'étais finalement devenu. J'avais envie de remplir le disque de flore et de faune, nous avons aussi regardé les chansons folk des années 70, cette période magique où folk et mysticisme s'entremêlaient. Tout cela a donné vie à cette chanson.

Florence Welch parle à Apple Music de sa collaboration avec Mark Bowen et Aaron Dessner

Ce disque a commencé dans le sud de Londres. Bowen et moi y avons enregistré les premières démos. Mais c’était un processus fragmenté : il était en tournée, moi aussi. Quand il partait, quelqu’un d’autre entrait dans le studio – Mitski, par exemple, passait par là, et Ethel Cain faisait également des chœurs sur « One of the Greats ». À un moment donné, je ne pouvais plus voir la forêt à cause des arbres. « One of the Greats » nous a détruits : il a été enregistré en une seule prise, mais il nous a fallu trois ans pour le terminer.

En une seule prise ?

Oui, voix et guitare ensemble, la première fois que je l'ai chanté.
Le riff était agressif, un vrai « va te faire foutre ». Bowen a commencé à jouer et j'ai commencé à chanter. La chanson vient de se produire. Nous étions censés le réenregistrer, mais nous ne l’avons jamais fait. Et c'était un cauchemar à produire : ça change de tempo, ça ralentit, ça accélère, tout va mal. La teinte est sauvage. Quelqu'un m'a écrit « J'adore le changement de clé » et j'ai pensé : « Ce n'est pas voulu ! Mais ces imperfections étaient l’âme de la chanson. Chaque fois que nous essayions de le « réparer », il perdait quelque chose.
Nous avions besoin d'un magicien – et c'était Aaron Dessner. Il a tout de suite compris l'esprit du projet. Il n’y avait rien à refaire, juste à ciseler soigneusement. Lui et son ingénieur, Bella, ont passé des journées entières à déplacer les rails de quelques millimètres seulement. Certains sons étaient bruts, brutaux, mais ils devaient rester. L’expérience avait été comme ça. Pour certains, c’était un record déroutant, mais Aaron l’a tout de suite compris. Je suis donc allé dans son studio pendant un mois pour le fermer. Et tout cela avait du sens.