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Je ne suis jamais allé dans l’Essex, l’un des sept royaumes de l’heptarchie dite anglo-saxonne. Une définition historique qui semble aujourd’hui presque archéologique, mais qui reste utile pour imaginer une marge : celle dans laquelle évoluent les frères Jack et George Barnett.
Leur origine n’est pas seulement géographique, mais perceptive. Une zone liminale, proche de Londres et pourtant suffisamment isolée pour produire une idée de distance, d’isolement opérationnel, d’autonomie nécessaire.
La trajectoire de Ces Nouveaux Puritains a depuis longtemps abandonné toute linéarité. Des premiers élans post-punk aux configurations actuelles, leur musique a progressivement abandonné la forme chanson pour se rapprocher d’une architecture sonore faite de lacunes minimes, de tensions subtiles, de matière réduite à une vibration essentielle.
« Crooked Wing », le cinquième album studio du groupe, représente un nouveau virage en ce sens : une construction légère mais rigoureuse, où le son est organisé en fragments, détails et angles acoustiques bien définis.
Dans « Crooked Wing » apparaissent également des présences extérieures qui élargissent encore le champ : Caroline Polachek, en duo avec Jack dans la chanson Industrial Love Song, et l’acteur Alexander Skarsgård, impliqué dans le clip de A Season in Hell. Des interférences qui ne brisent pas l’identité du projet, mais multiplient ses surfaces.
Nous avons rencontré Jack Barnett en attendant leur live à la XXI édition de Sexto ‘Nplugged, où ils se produiront le 2 juillet.
L’ENTREVUE
« Crooked Wing » commençons par là, votre dernier album est sorti il y a précisément un an. Qu’est-il arrivé à votre relation avec ce disque entre-temps ? Y a-t-il quelque chose que vous changeriez aujourd’hui ou est-ce qu’un album, une fois sorti, cesse définitivement de vous appartenir ?
Je ne l’ai pas beaucoup écouté, mais je suis content de la version qui existe dans ma tête.
Je pense que je l’ai écouté pour la dernière fois lorsque nous avons fait un mixage surround pour un événement à l’ICA. Mais dans ce cas, il y avait la possibilité de changer les choses, d’expérimenter. C’était quelque chose de vivant, en constante évolution. Je m’en fiche quand ce n’est plus malléable.
Mais la musique elle-même est toujours très vivante pour moi, parce que je travaille toujours dessus avec le groupe live, donc elle change toujours. Je suis sûr que si je réécoutais l’album, il y aurait des centaines de choses que je changerais.
L’une de vos caractéristiques les plus évidentes est le changement continu. Jazz, musique industrielle, sacrée, électronique et minimalisme cohabitent dans votre musique. La recherche sonore peut-elle virer à une forme d’obsession ?
Oui, c’est une obsession. L’obsession peut aussi être destructrice, mais comment travailler sans obsession ? C’est ce dont vous avez besoin pour ne pas vous laisser distraire. Je lisais sur Alberto Giacometti qui, pendant six ans, a détruit tout ce qu’il faisait. Il y avait une partie de moi qui admirait ce dévouement.
Avant cette interview, j’ai repris l’écoute de vos premières œuvres, Couleurs Et Numérologie. Il y avait encore dans ces chansons une pulsion presque post-punk, nerveuse et instinctive. En regardant près de vingt ans en arrière, que voyez-vous aujourd’hui dans ces disques ?
Cela semble être à un million de kilomètres et je suppose que c’est le cas !
C’est étrange à quel point les enregistrements sont des documents si vivants d’un moment spécifique. Nous étions très déterminés. Nous écoutions J Dilla, du dancehall, Benjamin Britten, Béla Bartók, et parfois on avait l’impression que les gens pensaient : « si tu abandonnais tout ça, tu pourrais être un bon groupe de garage rock ».Cela ressemblait toujours à un gag courant quand nous allions jouer à Londres dans la camionnette de travail de notre père.
Je me sens plus proche de la musique que j’enregistrais enfant, avant tout ça : elle résonne encore en moi et je comprends cette personne d’une manière étrange.
Peut-être que vous naissez, puis vous devenez autre chose, puis vous revenez progressivement à ce que vous étiez.
Dans vos œuvres, la spiritualité cohabite souvent avec quelque chose de physique, de métallique, de brutal. Souhaitez-vous continuellement remettre en question la séparation entre le sacré et l’industriel ?
C’est comme un pendule, on se déplace entre ces pôles. Je m’intéresse à la beauté dans des endroits inattendus, c’est plus puissant ainsi. Quand j’ai écrit « Aile tordue » J’habitais dans une zone industrielle, en face d’une église évangélique africaine : donc ces deux choses peuvent tout à fait coexister.
Vous avez défini l’orgue liturgique comme « un instrument d’amour et de peur ». Quel genre de puissance émotionnelle recherchiez-vous dans ce son ?
L’orgue à tuyaux peut être beaucoup de choses. C’est comme un DAW (acronyme de Digital Audio Workstation), vous pouvez en faire ce que vous voulez. D’une manière ou d’une autre, je l’écoutais déjà comme un son, ça ne pouvait pas être autre chose.
Dans un présent dominé par l’hyperproduction numérique, votre approche conserve quelque chose de rituel et de presque artisanal. Est-ce une forme de résistance à la dématérialisation de la musique ?
C’est une façon intéressante d’y penser. Peu à peu, tout nous est retiré. Nous sommes totalement libres de n’avoir absolument rien.
Dans vos arrangements, le silence a souvent le même poids que le son. Quelle est l’importance de ce que vous décidez de laisser de côté ?
C’est très important. Il faut avoir un certain mépris pour son travail, pour être prêt à le couper, le démonter, l’améliorer ou l’emmener ailleurs.
L’Essex revient continuellement dans votre musique, même lorsqu’il n’est pas explicitement évoqué. Est-ce un lieu réel ou un état mental ?
C’est les deux bien sûr, comme partout ailleurs. Je suis fier d’être originaire d’Essex. Ce n’est pas une carte postale de l’Angleterre, mais ce n’est pas ce qui m’intéresse. C’est autre chose. Il y a beaucoup de beauté là-bas, si vous savez où chercher.
Quelqu’un a dit que les habitants d’Essex ne sont pas rancuniers parce que s’ils ne sont pas d’accord, ils vous le diront en face.
Il y a aussi une mentalité d’autosuffisance, de « réussir par nous-mêmes », qui nous appartient. Cela nous a donné l’espace pour nous réinventer, ou simplement nous inventer.
Je me rends compte que je suis vraiment un marin.
C’est mon élément. Depuis trois jours, je nage dans l’estuaire et je ne pourrais pas être plus heureux. Tout devient simple.
Si « Aile tordue » si cela devenait un espace physique, quel endroit serait-il ? Une cathédrale, un chantier, une épave industrielle, une pièce vide ?
Une combinaison de tout cela semble parfaite.
La composante visuelle a toujours été au centre de votre univers artistique. Quel rapport entretenez-vous avec l’esthétique ? Pour vous, l’image accompagne-t-elle la musique ou en fait-elle partie intégrante ?
Cela a toujours été très important. J’ai aussi beaucoup de chance d’avoir George, qui crée des images étonnantes pour la musique.
Cela m’a toujours semblé inconcevable de travailler dur sur un disque, d’y mettre tout, puis de confier la pochette à quelqu’un que l’on n’a jamais rencontré et de lui dire : « voilà, c’est à toi de le faire ».
Très souvent, les images naissent avec la musique au fur et à mesure que je l’écris. Pour Aile torduepar exemple, l’image des arches blanches avec des arbres très blancs dans la nuit était très vivante dans mon esprit, il m’a donc semblé naturel de la peindre pour la couverture. Je n’avais pas peint depuis des années, j’ai donc eu quelques semaines pour réapprendre à le faire, mais c’était magnifique.
Cet été, vous serez de retour en live. Quelle forme prendront les concerts ?
Nous avons un super groupe. Le meilleur que nous ayons jamais eu. Otto Hashmi et Toril Azzalini apportent beaucoup au projet. Sur scène nous avons de nombreux instruments métalliques : vibraphone, chaînes, cloches tubulaires.
Dernière question. Qu’écoutes-tu ces jours-ci ? Connaissez-vous des artistes italiens ?
Le dernier artiste italien que j’ai écouté est Lucio Dalla. Maria Chiara Argirò a longtemps joué du piano avec nous et a également participé à Aile tordue.
Le dernier non italien était un compositeur et organiste appelé Jehan Alain. Il mourut très jeune pendant la Seconde Guerre mondiale ; c’était un motocycliste militaire, je crois qu’il a été intercepté par les troupes allemandes et tué après avoir refusé de se rendre.
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