Il est impossible de penser au compositeur Joe Hisaishi sans penser également à son collaborateur de toujours, le cinéaste Hayao Miyazaki. Leur partenariat créatif a commencé avec les années 1984 Nausicaä de la Vallée du Vent, le film qui mènera à la création du légendaire Studio Ghibli, et ils ont réalisé près d’une douzaine de films ensemble. Miyazaki est connu pour ses récits réalistes et magiques qui mélangent sans effort le fantastique et le quotidien, et Hisaishi a créé un ensemble d’œuvres diversifiées pour évoquer les mondes imaginés du cinéaste. Il complète les sensations fortes de Princesse Mononoke avec des hymnes de guerre retentissants et évoque le sentiment de bord de mer endormi de Le service de livraison de Kiki avec des valses douces et venteuses.
Pendant près de 30 ans, Miyazaki a réalisé des films à un rythme soutenu, travaillant intensément pendant deux années consécutives et prenant les deux années suivantes pour récupérer. Puis, après 2013 Le vent se lève, il a annoncé sa retraite – quelque chose qu’il avait fait dans le passé, mais cette fois, il semblait qu’il le pensait sincèrement. Inévitablement, plusieurs années plus tard, il annonça qu’il avait commencé à travailler sur un nouveau film, Le garçon et le héron. L’intervalle plus long entre les productions a entraîné des changements dans le flux de travail de Miyazaki. Alors que le réalisateur était autrefois profondément impliqué dans le processus de création de musique pour ses films, pointant énergiquement les story-boards composés par Hishaishi, cette fois, il n’a convoqué son ami au studio qu’une fois le film presque terminé. Après avoir visionné le long métrage presque terminé, sans dialogue, Hisaishi n’a reçu aucune instruction du réalisateur. « Je vous laisse le choix », a déclaré Miyazaki.
Hisaishi a choisi la retenue. Il avait tout fait pour Ghibli, depuis l’électronique surnaturelle de Nausicaä aux balayages symphoniques triomphants de Mon voisin Totoro, mais il n’avait jamais exploré son premier amour musical : le minimalisme classique. Inspiré par des artistes comme Steve Reich et Philip Glass, il a abandonné les orchestrations grandioses des productions précédentes au profit du piano et d’un accompagnement simple. Ce changement intime, a récemment déclaré Hisaishi, « serait une chance pour moi de me rapprocher de ce que Miyazaki avait prévu ».
Héron est structuré en deux chapitres distincts, et la partition d’Hisaishi reflète son arc narratif. La première heure du film, qui dépeint le Japon de l’après-Seconde Guerre mondiale tel que Miyazaki s’en souvient, est principalement soutenue par le piano et les arrangements clairsemés d’Hisaishi. Il joue avec une grâce majestueuse sur « White Wall » alors que les scènes d’ouverture se déroulent, rappelant la douce cadence du film d’Erik Satie. Gymnopédies. Lorsque la tension monte entre le jeune garçon et le héron cendré titulaire, les cordes atteignent une crête soudaine et tombent tout aussi rapidement. « A Feather in the Dusk » exprime une anxiété croissante et un soulagement temporaire alors que l’homme et la bête s’affrontent. Les cordes courageuses de « Feather Fletching » apportent un moment de légèreté avant que le thrénodie oppressant « A Trap » propulse l’action vers son point culminant.