La plateforme de licences musicales basée à Stockholm, Epidemic Sound, s'est associée au légendaire guitariste, auteur-compositeur et producteur britannique Johnny Marr.
À partir de ce trimestre (premier trimestre 2025), Marr encadrera trois artistes émergents d’Epidemic Sound, en leur fournissant des conseils sur le développement de carrière, la « croissance artistique » et les stratégies de sortie.
Selon Epidemic Sound, Marr, connu pour son travail à la guitare dans Les Smiths, Modest Mouse et les berceauxde nombreuses collaborations et une longue carrière solo, viseront à guider ces artistes « pour diversifier leur approche, en explorant les opportunités de synchronisation des licences, des collaborations, des médias sociaux et des sorties commerciales ».
La société a ajouté : « Sa polyvalence en tant que guitariste, auteur-compositeur-interprète, producteur et compositeur de films – grâce à des collaborations avec Hans Zimmer pour des films tels que Inception et the James Bond film Pas le temps de mouriry compris la chanson titre créée avec Billie Eilish – fait de lui un mentor idéal pour les artistes d’Epidemic Sound naviguant dans l’écosystème complexe de la musique moderne.
Fondée en 2009, Epidemic Sound fournit de la musique et des effets sonores libres de droits aux créateurs de contenu et aux marques via un modèle d'abonnement.
Ça compte plus 50,000 pistes dans sa bibliothèque et affirme que sa musique figure dans YouTube et Tik Tok vidéos avec un total de 2.5 milliard vues quotidiennes.
La société a déclaré que le partenariat avec Marr « arrive à un moment critique pour l’industrie musicale, avec de nombreux artistes confrontés à des défis tels qu’une scène live populaire en difficulté et de faibles rémunérations ».
Le modèle de rémunération de la société comprend une répartition 50/50 des redevances de streaming, des frais fixes par piste et une partie d'un bonus de bande originale de 30 millions SEK (2,7 millions de dollars américains). Vous pouvez lire exactement comment l'entreprise rémunère les artistes dans cette fonctionnalité MBW Explains.
Johnny Marr est le dernier artiste à faire équipe avec la plateforme, suite au partenariat de Richie Hawtin avec la société plus tôt cette année.
Epidemic Sound a déclaré que chaque mentoré a été sélectionné pour « la manière dont son talent et ses objectifs uniques s'alignaient sur l'expertise de Marr ». Les trois artistes Epidemic Sound sélectionnés pour ce programme comprennent :
Rébecca Mardal, une guitariste basée en Suède, qui « a commencé à maîtriser son métier » à l'âge de 11 ans et qui, selon Epidemic Sound, « a construit une carrière impressionnante avec des millions de streams issus de ses projets solo et de ses collaborations ».
Christoffer Moe Ditlevsen, Parallèlement, est un compositeur et multi-instrumentiste suédois dont les œuvres orchestrales et cinématographiques ont été présentées dans le monde entier dans des publicités, des émissions de télévision, des documentaires et des bandes-annonces. Selon Epidemic Sound, sa « passion pour le black metal et la guitare rock met en valeur sa gamme polyvalente à travers les ambiances ».
Le troisième mentoré de Marr, Kylie Daileyest influencé par des genres allant de la musique folk américaine aux mélodies folk africaines.
« La carrière extraordinaire de Johnny Marr et sa capacité à se réinventer continuellement font de lui le mentor idéal pour nos artistes », a déclaré John Cleary, directeur du recrutement mondial de musique chez Epidemic Sound.
« Ses idées seront d'une valeur inestimable pour les aider à développer le vaste ensemble de compétences nécessaires pour prospérer dans l'industrie musicale d'aujourd'hui. Nous sommes ravis de l'avoir parmi nous et avons hâte de voir l'impact de cette collaboration pour nos artistes.
« Dans l'environnement musical difficile d'aujourd'hui, il est crucial pour les artistes de développer un ensemble de compétences diversifiées et je suis ravi de travailler avec des personnes talentueuses pour les aider à naviguer dans l'industrie tout en restant fidèles à leur vision.
Johnny Marr
Dans une déclaration publiée avec le communiqué de presse, Marr a expliqué : « J'ai toujours été intéressé par les nouveaux talents et j'essaie d'aider si je peux les artistes émergents à trouver leur voix unique. »
Il a ajouté : « Epidemic Sound est un nouveau type de société musicale avec sa plate-forme innovante qui ouvre la voie aux musiciens émergents pour gagner leur vie, tout en distribuant leur travail à grande échelle au public en ligne actuel composé de téléspectateurs, de fans et d'auditeurs.
« Dans l'environnement musical difficile d'aujourd'hui, il est crucial pour les artistes de développer un ensemble de compétences diversifiées et je suis ravi de travailler avec des personnes talentueuses pour les aider à naviguer dans l'industrie tout en restant fidèles à leur vision.
MBW a rencontré Johnny Marr cette semaine pour en savoir plus sur son partenariat avec Epidemic Sound. Il a souligné dans notre entretien que la « révolution numérique » a eu un impact significatif sur le développement des artistes au cours des 35 dernières années.
Marr a également réfléchi à l'évolution de l'industrie du disque, contrastant ses débuts de carrière avec le paysage actuel, et a déclaré qu'il avait hâte d'apprendre des musiciens grâce à ce partenariat.
Vous pouvez lire une version abrégée de notre conversation dans son intégralité ci-dessous :
Pourquoi avez-vous voulu travailler avec Epidemic Sound ?
Epidemic m'a contacté il y a environ 18 mois et m'a invité à m'impliquer. Cela m'a semblé au départ être un croisement entre l'idéalisme et le réalisme. J'ai juste eu l'impression qu'ils semblaient avoir une vision qui était, au fond, bénéfique pour les musiciens.
J’étais vraiment intrigué, c’est la réponse. J'ai aimé ce que j'ai entendu lors de nos premières discussions. Il semblait que c'était, et c'est le cas, qu'il soit vraiment centré sur [emrging] musiciens. Donc ça me plaisait.
« Dans le monde moderne [music industry]il y a tellement de défis pour les groupes, les nouveaux écrivains, les nouveaux chanteurs, les compositeurs.
Dans le moderne [music industry]il y a tellement de défis pour les groupes, les nouveaux écrivains, les nouveaux chanteurs, les compositeurs – et pour toutes sortes de raisons. Beaucoup [of it has] beaucoup à voir avec l'économie, beaucoup à voir avec les affaires, et beaucoup à voir avec la révolution numérique et le fait d'être entendu à travers le bruit. Je comprends et j’ai vu, d’après ma propre expérience, les répercussions de tous ces défis.
Y a-t-il suffisamment de développement d’artistes dans l’industrie du disque à l’échelle mondiale, et dans quelle mesure le paysage actuel, en termes de développement, est-il différent de ce qu’il était à vos débuts ? avez-vous eu suffisamment d'opportunités et vos pairs ont-ils eu suffisamment d'opportunités de se développer ?
La culture est en train de rattraper son retard par rapport à la révolution numérique des 35 dernières années. Cela ne fait aucun doute. Nous vivons une époque évolutive d’une importance considérable. Cela non plus ne fait aucun doute.
Dans les siècles à venir, nous reviendrons sur cette période dans laquelle nous vivons actuellement, aussi importante que la révolution industrielle ou de nombreux autres changements évolutifs massifs de l’histoire de l’humanité. Aujourd'hui, 35 ans après [internet] la culture, en y regardant avec optimisme, n'en est qu'à ses tout débuts.
Cependant, pour répondre à votre question, comme vous le dites à juste titre, l'un des nombreux aspects que nous devons rattraper est [artist] développement.
Donc la réponse à cela [question]c'est non, je ne pense pas que le développement des artistes soit aussi rapide qu'il devrait l'être. Si vous demandez à la plupart des musiciens de moins de 35 ans, ils vous diront la même chose.
Mais je le regarde avec un peu de positivité. J'espère que c'est juste une question de rattrapage, mais [that we] rattraper vite. Je ne peux pas prétendre connaître toutes les réponses ou tous les autres niveaux de complexité de ces problèmes, mais j'en ai été témoin de beaucoup par moi-même auprès des jeunes musiciens que j'ai côtoyés.
Soit dans ma ville natale, soit en travaillant sur des films, en studio ou avec des groupes qui ont fait la première partie de moi, ou [bands] Je dois voir dans des salles populaires, ce que je continue de faire depuis que je suis musicien professionnel.
Quel rôle les lieux locaux jouent-ils dans le développement des artistes ?
J'ai eu des amis qui dirigeaient de petites salles. Le Night & Day Café d’Oldham Street à Manchester en fait partie. Au cours des 30 dernières années, il a joué un rôle essentiel dans le développement des artistes, en leur offrant un espace – littéralement une scène – et un public.
Et c'est une chose à double sens, cette affaire [of artist development] dont nous discutons, parce que nous sommes tous des fans de musique. En plus de ces problèmes qui affectent les musiciens, et c'est là, je l'espère, que je pourrai être d'une certaine aide, cela affecte également les fans de musique.
Il y a trop de luttes, et vous pouvez attribuer ces raisons à l'économie, aux médias sociaux ou, comme je l'ai dit plus tôt, simplement à la quantité de bruit. [to cut through]. Mais prenons l’économie, par exemple. C'est quelque chose d'aussi simple que la façon dont les jeunes musiciens amènent leur équipement dans une salle. Comment les musiciens passent-ils d’un point A à un point B ? Comment les musiciens se transportent-ils ? Comment les musiciens paient-ils le carburant ? Comment les propriétaires de salles paient-ils les factures ?
Tout cela impacte les musiciens et amateurs de musique. Maintenant, nous savons tous avec certitude que les gens n'hésitent pas à payer des musiciens, car les arènes sont pleines partout dans le monde chaque semaine.
Pourquoi les sites locaux ont-ils du mal à payer leurs factures d’électricité ? C'est une question de prise de conscience et de changement de modèle. Ce sont des choses dont je suis intuitivement conscient et dont j'ai une certaine expérience directe grâce aux jeunes musiciens que j'ai rencontrés.
Et je viens d'une ville musicale, Manchester, qui traditionnellement, depuis l'après-guerre, [period]a été un foyer de musiciens, qu'il s'agisse des Buzzcocks Joy Division, New Order, the Smiths to Oasis, Stone Roses, BC Camplight, The Orielles..
« Dans mon cas, il m’a fallu quelques années, ce qui semblait être une période interminable, avant d’être entendu et de connaître mon premier succès. »
Pour répondre à votre [earlier] question, le paysage et la culture sont sans aucun doute très différents de ceux de mon époque. Ça n'a jamais été une chaussure dedans [just because] tu es un musicien avec un talent ou quelque chose que les gens veulent entendre [your music ]et que vous obtenez automatiquement le succès.
Dans mon cas, il m’a fallu quelques années, ce qui semblait être une période interminable, avant d’être entendu et de connaître mon premier succès. J'ai essayé de me faire entendre, en frappant aux portes, en trouvant du temps en studio, des musiciens, des salles de répétition, et tout ça. Cela ne m'est donc pas étranger, et cela a toujours été pareil, mais malheureusement, cela me semble encore plus difficile maintenant.
ED SHEERAN A PRONONCÉ UN DISCOURS il y a quelques semaines lors des Music Business UK Awards à Londres, et a déclaré que tous « les artistes historiques que nous connaissons et aimons aujourd'hui se sont développés au fil du temps et ont été autorisés à explorer et à échouer, à construire et à expérimenter… »
Je pense qu'Ed a tout à fait raison. Mais ce n’est pas qu’une question d’économie. La plupart des musiciens débutants veulent simplement être entendus.
C'est une impulsion très altruiste et idéaliste. Ils veulent que leurs idées soient partagées et, au moins, appréciées, identifiées et entendues.
C'est extrêmement important. La communication est un besoin humain, en particulier pour les personnes créatives. Et les gens veulent entendre ce que d’autres musiciens ont à dire.
Espérons qu’avec Epidemic, nous pourrons faire les premiers pas vers un modèle plus performant pour les musiciens en ces temps et les aider à atteindre leurs objectifs d’une manière ou d’une autre.
Vous faites cela depuis longtemps et vous avez vu ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas d'un point de vue créatif et commercial. Compte tenu de tout cela et de la multiplication des plateformes alternatives de distribution de musique et de rémunération, quelles sont vos prévisions à court et à long terme pour l’industrie du disque traditionnelle ?
J'ai réalisé très tôt dans ma carrière professionnelle, après avoir signé chez Registres du commerce brut que ce n'était pas tout à fait la norme d'être sur un partage 50/50.
J'ai toujours réalisé à quel point j'en suis reconnaissant. Maintenant, ce n'est pas bon si tu vasà 50 % de rien, si votre musique est si volontairement non commerciale, ce qui est l'apanage de l'artiste, qu'elle ne produit rien.
Mais si tu fais quelques genre d'argent, je pense que tu ne peux pas vraiment [get] bien mieux qu’un partage 50/50 avec un partenaire.
Je parle de Factory Records, Rough Trade Records et de certains autres groupes indépendants de l'époque.
Et c’est ce que propose Epidemic pour le partage des redevances. Je n'ai pas entendu cela depuis le début des années 80. Cela m'a donc donné un bon pressentiment à propos de ce projet, mais il n'en est qu'à ses débuts.
Mais si vous me demandez ce que je projetterais, au risque de paraître vraiment cliché, c'est la phrase : la nécessité est mère de l'invention. Les jeunes musiciens ont été contraints de s’adapter pendant trop longtemps en raison du fonctionnement économique. Mais les plateformes vont devoir répondre aux musiciens» besoins pour être compétitif.
D'une manière ou d'une autre, la culture des musiciens en quête d'efforts qui [bend] faire preuve de recul pour s'adapter doit prendre fin. Je sais que cela semble un peu naïf, mais c'est ce que j'espère, que même si cela n'a rien à voir avec l'altruisme et les bonnes intentions des gens d'affaires, le simple fait d'avoir un marché compétitif signifie que peut-être le plus juste [platforms] sera celui où se rendront les musiciens.
