Lauren Auder ne pratique que les grands swings. Comme l’a dit l’auteur-compositeur français et britannique La gamme la mieux adaptée: « À mon propre détriment probablement, je suis très investi dans la réalisation de disques à gros son… et cela représente beaucoup de travail. » Bien qu’elle ait commencé comme productrice de rap SoundCloud, à ses débuts en 2023, la colonne vertébrale infinie, elle avait développé une forme séduisante de pop de chambre également inspirée de la musique expérimentale et du soft rock au piano. Ses rappels à la pop piano du début des années 2000 sont nostalgiques mais glissants : les références énigmatiques d’Auder à la numérologie et les explosions de bruit éparses sont rarement faciles à digérer. Imaginez un projet musical entier avec l’énergie de Kristin Hayter chantant « The Reason » de Hoobastank, et vous êtes dans la bonne direction.
Peu d’artistes font faillite en ce moment, surtout quand de nombreux musiciens sont tout simplement fauchés. Le deuxième album d’Auder, Le monde entier en veilléedouble quand même. Il n’y a pas de cordes ni de cuivres live, juste des océans d’orchestration électronique d’Auder et des coproducteurs Alex Parish et Dviance, mais elle utilise tous les outils de son arsenal pour que le son soit énorme, même en échantillonnant une machine CNC industrielle sur « Praxis ». Veillée ça sonne plus brillant que les coups colonne vertébrale infiniece qui signifie toujours qu’il est plein de choix de production imprévisibles et de paroles à la limite de la compréhension. Lorsque le premier morceau « Marrow » explose sur la ligne « Let greed in » (en utilisant une harmonie tritonique connue sous le nom de « l’intervalle du diable », rien de moins), c’est une déclaration de fierté d’indulgence.
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On pourrait penser qu’un superproducteur comme Greg Kurstin a travaillé sur « Yes », un morceau de danse étrangement simple des années 90, mais sous le vernis, Auder se faufile dans des allusions aux écrivains anarchistes (« Une image du Christ dans un TAZ ») et des doubles sens intelligents : sur le pastiche de Madchester, « J’ai donné beaucoup juste pour dépenser en E » pourrait faire référence à l’extase ou aux œstrogènes. Le « Praxis » propulsé par un moteur motorisé est une ode à l’élan vers l’avant : « Chaque fois que je sors de la maison, c’est une praxis/Chaque pas que je fais maintient le monde sur son axe », chante Auder, bien que ses cris de fond traduisent l’épuisement du mouvement perpétuel.
Le maximalisme d’Auder fonctionne parce que la sentimentalité s’accompagne de moments de réalisme douloureux : alors que sa narratrice parle à quelqu’un du rebord de la « jetée », elle chante : « Il y a un amour que vous pouvez apprendre à accepter et qui semblait autrefois si banal » et qualifie cela par « Le monde ne change pas ». Les boucles de batterie et les cordes VST seraient exagérées si la performance n’était pas aussi passionnée, les enjeux n’étant pas littéralement de vie ou de mort. Sur « Candles », l’amour ne suffit pas et Auder regarde quelqu’un perdre son combat contre la maladie mentale (« Il y a toujours eu deux visions/Dans les deux, vous vous effondrez, dans l’une vous réparez ») jusqu’à ce qu’un piège un peu écrasé fournisse enfin une catharsis. Sur l’avant-dernier « Orchards », elle échantillonne Ghostface Killah et cite Rilke, rejoint par un chœur de collègues musiciens, dont Midwife et Devendra Banhart, pour chanter : « Il n’y a aucun endroit qui ne vous voit pas/Vous pouvez changer votre vie. » Sur un disque si imprégné des perceptions des autres, l’idée est à la fois encourageante et légèrement terrifiante.
