Le nouveau label d'Objekt est un terrain d'essai pour la musique de club expérimentale dans sa forme la plus audacieuse

Dans quelle mesure avez-vous l’impression que la musique que vous faites dépend des possibilités technologiques disponibles à l’heure actuelle ?

La signature sonore de la musique que je fais dépend beaucoup de la technologie dont je dispose. Je pense que c'est vrai pour quiconque fait de la musique avec un ordinateur ou des appareils électroniques. En fait, c'est vrai pour quiconque fait de la musique avec des instruments. La musique que vous créez est fonction des instruments que vous utilisez pour la composer, qu'il s'agisse d'une guitare ou d'une amplification, de pédales d'effets, de séquenceurs, de synthétiseurs, d'ordinateurs, etc. Bien sûr, le son de mes productions a changé au fil des années en fonction du type de plug-ins, synthés, effets dont je dispose. Aussi le type de surveillance dont je dispose. Mais je pense que votre personnalité en tant qu'artiste transparaît toujours à travers les outils que vous utilisez.

Je suppose que je demande parce que vous avez souvent l'impression de rechercher de nouveaux sons. On pourrait appeler cela un son futuriste, mais il a aussi une qualité très texturale, presque tactile.

Je pense que je m'intéresse aux sons qui semblent satisfaisants. Il y a une sorte d'élément ASMR, je suppose. Des sons qui évoquent une sensation physique. Mais je ne dirais pas nécessairement que mon objectif est de trouver des sons nouveaux et inédits au détriment de toute autre chose. Je considère le design sonore comme un moyen d’atteindre une fin. Je pense qu'une conception sonore intéressante est géniale, mais, en soi, je ne pense pas que cela soit suffisant pour m'émouvoir. Et, en fin de compte, ce qui m'intéresse, c'est la musique qui m'émeut ou qui va émouvoir quelqu'un d'autre, que ce soit mélodiquement et émotionnellement ou plus cérébralement. Cela m’importe plus que la nouveauté ou le fait d’être à la pointe. Je veux juste faire une musique qui soit en quelque sorte évocatrice, significative et intéressante et qui dit quelque chose. Cela doit vous faire ressentir quelque chose. Et je pense que le design sonore est une façon d’embellir cette histoire. C'est l'un des pinceaux avec lesquels je peins, mais ce n'est pas la solution ultime.

Vous avez mentionné que les gens jouent aujourd’hui sur une gamme de tempos plus large qu’il y a 10 ans. Selon vous, quels sont les grands changements dans la musique dance et la scène des clubs au cours de la dernière décennie ?

Quand j’ai trouvé mes marques, j’avais le sentiment de faire partie d’une génération qui était encore en train de comprendre ce que nous faisions. Nous – ou du moins mes amis et mes pairs – avons émergé dans un coin de la scène musicale qui n'était pas encore si enveloppé dans « l'industrie ». Les artistes obtiendraient des agents plus tard dans leur carrière, par exemple. Les réseaux sociaux n’existaient pas encore ; cela n'a pas vraiment joué un grand rôle dans les réservations ou dans votre établissement en tant qu'artiste. Les scènes locales n'étaient pas aussi dominées par les grands promoteurs, et les petits clubs avaient un peu plus de facilité à joindre les deux bouts. On n’avait pas l’impression que le circuit des festivals était aussi établi. Tout semblait un peu plus dispersé, plus aléatoire, moins cloisonné. Ironiquement, le seul domaine dans lequel cela ne s'appliquait pas vraiment était celui des plages de tempo, car tout le monde jouait à peu près entre 120 et 140 BPM. Mais, en ce qui concerne la scène elle-même, il était alors beaucoup plus facile de se lancer dans les débuts d’une carrière musicale et d’inventer les choses au fur et à mesure. De plus, je ne suis pas sûr de l'avoir imaginé, mais je pense qu'il y avait beaucoup moins de gens qui faisaient de la musique, faisaient du DJ ou faisaient des tournées. Même s’ils étaient essentiellement tous des hommes cis, bien sûr.

Années 2020 jusqu'à présent : musique électronique [2:1 GIF]

Il est temps pour la musique électronique de transformer ses rêves en réalité
Vous avez récemment posté l'enregistrement d'un set de six heures au Brooklyn's Nowadays, de 9h à 15h. Vous avez écrit que c'était l'un des sets les plus créatifs dont vous vous souveniez avoir joué : « un de ces sets où le public, l'environnement, l'atmosphère , configuration technique, phase de la lune, peu importe, tout s’est en quelque sorte aligné pendant 6 heures complètes. Quels souvenirs gardez-vous d’une expérience comme celle-là ?

Gratitude. But. J'ai juste l'impression que c'est pour ça que je le fais. L'impression que le décor se jouait tout seul et que chaque transition en menait une autre dans un arc qui avait du sens et qui se justifiait.

Avez-vous des instantanés en tête par la suite : certains mélanges, certaines réactions de la foule ?

À coup sûr. Le rapport que j'ai ressenti avec le public pendant ce set et l'image mentale des premiers rangs de la piste de danse, en particulier, réagissant vraiment à une musique assez étrange dont la plupart des autres publics se désintéresseraient assez rapidement. C'est quelque chose qui reste définitivement dans ma tête. Ce n’est pas un set que j’aurais essayé à de nombreux endroits, et c’était un cadre dans lequel j’avais l’impression que non seulement je pouvais m’en sortir, mais qu’il serait justifié et apprécié. Mais ces paramètres sont relativement rares, je dirais.

À quelle fréquence faites-vous du DJ maintenant ?

J'y suis retourné à temps plein en septembre, car je suis retourné chez Native Instruments pendant la pandémie en 2020. Je suis resté à temps partiel plus longtemps que prévu : trois ans au final. Ces jours-ci, je fais probablement environ cinq à six concerts par mois. L’année dernière, j’en faisais peut-être trois ou quatre.

Et à quelle fréquence cela vous semble-t-il transcendant, et à quelle fréquence cela ressemble-t-il à un travail ?

Quand je travaillais chez NI, j'étais très sélectif quant aux concerts que j'acceptais, simplement parce que je n'avais pas beaucoup de temps. Donc, pendant la majeure partie de l’année dernière, lorsque je faisais trois ou quatre concerts par mois, j’ai définitivement eu une année exceptionnelle de concerts transcendants. Il a dû y en avoir au moins huit ou dix vraiment extrêmement spéciaux au cours de l'année, puis beaucoup de très bons, et très peu, voire aucun, de médiocres. Je me suis senti très béni à la fin de l’année. Pour être honnête, même cette année, même si j'ai dû remplir un peu plus mon calendrier, j'ai quand même beaucoup de chance de ne pas avoir à jouer autant de spectacles qui ressemblent à du travail.

Y a-t-il des villes, des scènes ou des régions que vous avez particulièrement envie de jouer ces jours-ci ?

En fait, j’adore jouer aux États-Unis. Un grand nombre de mes expériences de jeu préférées se sont déroulées en Amérique du Nord au cours des dernières années. On sent juste une énergie différente là-bas. J'ai l'impression qu'en Amérique du Nord, on se sent plus proche de la passion des gens pour la musique qu'en Europe. Cela ne veut pas dire que les fans de musique en Europe ne sont pas aussi passionnés, mais la scène [in the United States]dans son ensemble, a été moins développé en ce qui concerne l'aspect industriel et l'aspect rentabilité et est plus authentique et plus axé sur la communauté.

Peut-être aussi qu'en Europe, il est plus facile de tenir les choses pour acquises parce que la musique dance occupe une place centrale dans la culture populaire depuis de nombreuses années. Alors qu'aux États-Unis, on a le sentiment qu'elle est fragile et qu'elle a besoin d'être entretenue.

Je pense qu'il y a beaucoup de complaisance en Europe en ce qui concerne les événements de dance music et la scène dance music. Parce que c'est relativement underground aux États-Unis, j'ai l'impression que c'est toujours un foyer plus accueillant pour les cinglés et les monstres qu'il ne l'est souvent en Europe. J'ai généralement ressenti davantage un sentiment de communauté, les gens semblant plus à l'écoute et soucieux les uns des autres ; au mieux, cela semble plus sincère et moins superficiellement hédoniste.

TJ Hertz alias Objekt

Les gens ont beaucoup parlé de la façon dont la musique dance a changé depuis la pandémie. Avez-vous constaté des changements notables dans la culture, dans les habitudes ou les attentes des gens depuis la réouverture des clubs ?

J'ai eu cette conversation avec beaucoup de gens. Je pense qu'il existe un large consensus selon lequel de nombreuses foules ont tendance à avoir une capacité d'attention plus courte, en particulier le public plus jeune ; qu'il peut être plus difficile d'intéresser les gens à des décors plus subtils ; qu'il faut vraiment se donner du mal pour impliquer les gens. Et oui, j’ai vraiment ressenti cela à certains moments, surtout la première année après le début de la réouverture. Mais je ne sais pas… Je dois dire que ça s'est aussi passé dans l'autre sens pour moi aussi, surtout au cours des deux dernières années, et j'ai eu des expériences vraiment merveilleuses en jouant des sets extrêmement entêtants et aventureux, encore plus donc j’aurais forcément joué avant la pandémie. Parfois, j’avais l’impression d’être capable de communiquer avec le public à un niveau plus profond que jamais, vous savez ? J'hésite donc à faire des généralisations, car je pense que cela dépend vraiment de l'endroit où vous êtes et de qui vous jouez, et cela dépend aussi de l'artiste et du type de public que vous attirez.