MBW Views est une série d’articles d’opinion exclusifs rédigés par d’éminents personnalités de l’industrie musicale… avec quelque chose à dire. Ce qui suit vient du fondateur de MBW, Tim Ingham. Il est apparu pour la première fois en décembre en tant que leader dans le dernier numéro (T4 2023) de la publication sœur trimestrielle premium de MBW pour et sur le marché britannique, Music Business UK, qui est exclusivement disponible pour les abonnés MBW+.
Il y a bien sûr une raison pour laquelle, à deux reprises au quatrième trimestre, je me suis retrouvé blotti dans des sièges tachés de Slurpee dans mon cinéma local – avec un enfant de neuf ans à mes côtés – pour regarder un film qui a 30 ans.
Le premier était Hocus Pocus; la deuxième Le cauchemar avant Noël. Les deux ont été initialement publiés en 1993.
Toutes les astuces habituelles du divertissement pour vendre la nostalgie ont été appliquées :
- Un anniversaire arbitraire en chiffres ronds ? Cocher.
- Un thème lié aux vacances frauduleuses du moment ? Cocher.
- Une introduction réconfortante de génération en génération d’un classique familial ? Cocher.
Mais il se passait autre chose ici aussi.
Premièrement, il ne s’agissait pas de ruées vers la nostalgie : j’ai payé le prix fort les deux fois.
Deuxièmement, la salle de chaque projection – à une époque où beaucoup d’entre nous Dolby et 4K festonnés chefs de divertissement remettre en question la valeur des «images» – était complet.
Et puis il y a eu le moment où le sou est tombé : le bandes-annonces pré-événement.
Le grand lancement de films cinématographiques pour les familles pendant les fêtes de fin d’année 2023 ?
Toutes – et je dis bien toutes – des suites ou des renaissances de marques bien établies. Pour les Razmoket plus âgés, Hunger Games : La ballade des oiseaux chanteurs et les serpents et Les merveilles.
Pour toute la couvée ? L’événement cinéma de l’hiver : Wonkané du succès commercial d’un original cinématographique de 1971 et du succès commercial moindre d’un imitateur de 2005.
Voici, bien sûr, le passage dans la colonne où je dis Hollywood À court d’idées, tout ce qu’il sait faire de nos jours, c’est recycler les anciennes IP et gifler du Lycra sur des biceps boostés par des anabolisants, etc.
Pourtant, toutes ces joyeuses fouilles Tinseltown m’a fait réfléchir à un paradigme auquel la musique ne prête pas souvent beaucoup d’attention : franchiseet comment graver une marque d’artiste durable dans l’esprit du consommateur est devenu un art perdu.
L’exemple le plus prestigieux dans le domaine de la musique aujourd’hui est bien sûr Taylor Swift – pas seulement la plus grande mégastar du monde, mais une industrie en soi.
Comme je l’ai déjà écrit, Swift Un talent gargantuesque et une intelligence aiguisée sont les principaux facteurs de son succès moderne.
Mais le fait qu’elle ait pris de l’importance dans le premières heures – à une époque où les voies d’accès à l’attention des consommateurs étaient beaucoup plus étroites (et, oui, les contrats de disques étaient moins favorables aux artistes) – est également crucial.
« Cela mérite réflexion – alors que je me prépare pour un autre voyage annuel de 50 £ pour voir Elf au Cineplex. »
C’était suffisant pour justifier une pause de réflexion, alors que je me préparais à débourser encore un autre 50 £ en voyage pour voir Elfe au Cineplex en décembre.
L’industrie musicale épuise sans relâche d’énormes efforts et ressources pour tenter de faire émerger de nouveaux artistes, comme elle le devrait. Mais pourrait-il y avoir des actes dont les « franchises » sont quelque peu imprimées dans l’esprit des grands non-lavés ? L’ère du néant à diffusion plus étroite – qui pourrait être développé et réamplifié en 2024 ?
Je parle d’actes qui ont eu un « moment » dans l’affection du public, avant d’hésiter et/ou d’être lâché comme une pierre par le monde du disque. (À une époque où ce business était à son apogée… capricieux.)
Hollywood est souvent accusé de recycler les idées, mais et si ce recyclage n’était pas seulement un signe de faillite créative, mais un témoignage du pouvoir de rétablir des marques durables dans la conscience collective ?
À une époque dominée par le streaming et un bassin toujours croissant de nouveaux artistes rivalisant pour attirer l’attention, la question se pose : l’industrie musicale sous-utilise-t-elle le potentiel des artistes dont « franchises » ont-ils été imprimés dans l’esprit du public à des époques antérieures, moins fréquentées ? Même si ces artistes sont tombés assez rapidement de leur apogée commerciale ?
Ces semi-établis pourraient-ils « franchises » être mieux exploité aujourd’hui ?
Le succès nostalgique des reprises cinématographiques démontre une soif de marques familières.
À une époque où l’attention est une denrée rares’appuyer sur des franchises établies peut constituer un pont entre le passé et le présent – créant un espace pour les artistes dont l’étincelle initiale s’est peut-être atténuée mais dont l’héritage a peut-être encore un peu de vie.
