« Mad Rush » est structurellement similaire à « Opening ». Étudiant de longue date du bouddhisme tibétain, Glass a écrit cette longue pièce pour commémorer la visite du Dalaï Lama à New York en 1979, en l’interprétant à l’orgue de la cathédrale Saint-Jean-le-Divin. Il l’a ensuite enregistré pour les années 1989 Verre : Piano Soloet est revenu à l’orgue de la cathédrale pour la bande originale du film de 2016 Le dernier Dalaï Lama ? Vous ne devineriez pas nécessairement l’histoire de la pièce en l’écoutant ; la musique et le titre évoquent le cinétique de New York, ainsi que l’une des principales influences de Glass. Mais plutôt que le chaos urbain, les élégants mécanismes d’horlogerie de la composition témoignent de l’importance de l’équilibre ; c’est peut-être ce que Glass avait en tête lorsqu’il a écrit de la musique pour Sa Sainteté. « La principale chose que j’ai trouvée [about studying Tibetan Buddhism] est que la formation est extrêmement précieuse et utile pour vivre dans un monde de stress, plein de négativité, ce que nous appellerions le mal », a déclaré un jour Glass. « De mauvaises choses arrivent. Quand on vit dans un monde compliqué, la formation qui accompagne cette tradition est très utile.
Comparant Philip Glass Solo aux traitements antérieurs du compositeur des mêmes pièces, en particulier les quatre mouvements de 1988 Métamorphoseapparu pour la première fois sur Verre : Piano Solo— une curieuse contradiction se révèle. D’une part, les nouvelles versions sont imprégnées d’une sensibilité ruba plus mesurée – le genre d’air pensif que l’on pourrait attendre d’un récital de fin de vie. En même temps, ils n’ont rien de mièvre, de larmoyant, ni même de particulièrement nostalgique, malgré le contexte ruminant du projet, ou la pandémie qui sévit à l’extérieur. C’est même vrai pour « Truman Sleeps », de Le spectacle de Truman, l’une des pièces les plus poignantes du catalogue du compositeur. (Dans ce qui pourrait être l’apogée de son croisement avec la culture pop, Glass l’interprète dans une brève apparition à l’écran dans le film.) Là où d’autres pianistes exaltent sa mélancolie, Glass lui donne ici une lecture majestueuse qui bénéficie des changements les plus subtils. en temps et en intensité ; il s’appuie également sur la pédale de sustain, brouillant les eaux de manière suggestive et empêchant ses changements gracieux de paraître trop jolis.
Ce qui devient clair, c’est que non seulement ces performances sont moins atmosphériques que les versions précédentes, malgré leur ruba plus réfléchi ; ils sont plus déterminés, plus confiants, plus connaissance. C’est peut-être naturel ; Glass a écrit ces pièces, après tout, et ici, une vie passée à vivre avec ses créations se retrouve sur la bande. Il y a un passage fascinant dans les mémoires de Glass où il décrit la division entre théorie et pratique qu’il a rencontrée lorsqu’il était étudiant à Juilliard. On n’attendait pas des compositeurs en herbe qu’ils jouent leurs propres pièces ; en fait, personne n’a pensé qu’ils pourraient vouloir à. « Séparer la pratique de la musique et l’écriture musicale n’était pas un bon conseil », écrit-il. « La musique est avant tout quelque chose que l’on joue, ce n’est pas quelque chose qui est destiné uniquement à l’étude. Pour moi, jouer de la musique est une partie essentielle de l’expérience de la composition. Philip Glass Solo offre un témoignage émouvant de l’unité des deux facettes de sa pratique. En écoutant ses interprétations réfléchies de son propre travail, enregistrées dans l’intimité de sa propre maison, vous vous sentez chanceux d’avoir la chance de vous asseoir avec lui.
Tous les produits présentés sur Pitchfork sont sélectionnés indépendamment par nos éditeurs. Cependant, lorsque vous achetez quelque chose via nos liens de vente au détail, nous pouvons gagner une commission d’affiliation.
