Photek : Critique de l'album Modus Operandi

Enregistré à St Albans, où il a grandi, et sorti en 1997, Mode opératoire portait à l'origine le titre provisoire Enfants inversés– un clin d'œil, peut-être, au penchant de Parkes pour changer la direction de ses rythmes, les inversant si souvent d'avant en arrière que le temps semblait s'arrêter même s'il continuait à avancer. Mais le nom Mode opératoire était encore plus à propos. Cela vient du film de Michael Mann de 1995 Chaleur: Lorsqu'un sergent demande au personnage d'Al Pacino, un flic triste qui ne se fait aucune illusion sur ses adversaires, quel est le mode d'action des criminels, Pacino répond avec sa râpe caractéristique : « Leur mode d'action est qu'ils sont bons. »

Cette évaluation déchirante incarne le désir de Parkes de prouver son courage sur une scène intensément compétitive. C'est exactement ce que Mode opératoire est : un coup de feu à travers l'archet – une démonstration du talent virtuose de Parkes, ainsi que de sa détermination à emmener la drum'n'bass, comme les itérations les plus complexes du son étaient de plus en plus connues, en territoire inexploré. Si Goldie est Intemporelcomme beaucoup l'ont noté au fil des ans, était l'équivalent drum'n'bass de l'épopée space-rock de Pink Floyd, Mode opératoire aurait tout aussi bien pu être un véritable voyage sur la face cachée de la Lune, un voyage dans l'inconnu sans air et sans lumière.

À travers 10 morceaux interdépendants qui se déroulent comme les mouvements d'une suite, Mode opératoire plonge dans un monde souterrain de rythmes furtifs, de synthés visqueux et de violents pressentiments. Il est inondé de fréquences de mal de mer et baigné de bruits de métal – griffes grattant, cliquetis de douilles d'obus, acier scintillant tranchant la pénombre. Ni strictement un disque de club ni, en aucun cas, une bande-son chillout, il suggère une confrontation mortelle entre rythme et atmosphère, chacun enfermé dans l'emprise mortelle de l'autre.

Dans un milieu qui valorise la dextérité, l'audace et vitesse, le morceau d'ouverture de l'album, « The Hidden Camera », est un faux. Après une séquence de touches Rhodes qui ressemble presque à l'interprétation des cloches d'une église par un joueur de jazz, le rythme baisse finalement, mais la chanson ne peut pas vraiment être qualifiée de drum'n'bass. Il n'y a aucune trace d'un breakbeat canonique dans les caisses claires mélangées et les flammes cotonneuses, et la cadence saccadée n'a pas grand-chose en commun avec la façon dont la jungle et la drum'n'bass se déplacent généralement. Plus important encore, le tempo est lent : 126 battements par minute, comparé à la plage de 160 à 170 qui était devenue la norme pour le genre.

Le monde était inondé de grooves glacés en 1997, mais « The Hidden Camera » n’est pas un downtempo typique. Il oscille avec une intensité enroulée qui télégraphie une instabilité dangereuse. La grosse caisse frappe juste avant le temps fort, les caisses claires dansent autour du temps fort, et tous les tambours intermédiaires soit précipitent le rythme, comme pour rattraper le temps perdu, soit sont à la traîne. Des bruits non identifiables, évoquant des dauphins angoissés, et des effets sonores sinistres, comme celui d'une arme de poing armée, attisent l'ambiance anxieuse. Pourtant, malgré tout cela, l’ambiance est détendue, grâce à une ligne de basse debout et noire et des nappes de synthé qui tourbillonnent comme les aurores boréales. Le motif de batterie est joué en phrases à deux mesures, mais les touches et les pads sont dessinés en arcs plus longs qui se chevauchent à intervalles irréguliers. Ces phrases qui se chevauchent signifient que votre attention suit toujours la musique selon des chemins parallèles mais contrastés – une caractéristique du tour de passe-passe en boucle de Photek.