Le disque commence doucement, s’étendant vers l’extérieur à partir d’une base stable à la plus petite échelle. Kohl commence par une seule note au violoncelle, qu’elle maintient pendant une grande partie de « dawn | pulse », le premier morceau. Pourtant, de ce tonique bourdonnant, un monde riche fleurit. Stewart et Johnson entrent chacun au-dessus de Kohl, en orbite autour d’un seul accord alors qu’ils se déplacent vers d’autres tons de la gamme. Les boucles sonores de la bande gonflent et reculent tout au long du morceau, et le trio chante des notes haletantes et ouvertes qui persistent pendant une grande partie de la seconde moitié de la composition. Il y a une grandeur tranquille dans l’ouverture qui, tout comme celle d’Aaron Copland Printemps des Appalaches ou les traditions pastorales sur lesquelles il s’appuie, savourent le plaisir immédiat de la simplicité harmonique. Et comme pour la partition du ballet de Copland (qui, parfois, a été qualifiée de réaliste socialiste), la nature franche de la pièce cache une complexité plus profonde qui se révèle au fur et à mesure que le recueil se déroule.
Si leurs improvisations s’organisent généralement autour de drones sous-jacents, les trois musiciens déploient également une étonnante variété de techniques. Sur « Laundry | Blood », Kohl introduit un court motif pizzicato qui est associé à un accord beuglant et serré, et plus tard à des lignes vocales de ses camarades de groupe. « Chewing-gum » et « snow | touch » s’étendent tous deux vers l’extérieur à partir d’enregistrements sur bande granuleux qui se mettent lentement au point, tandis que « burning | counting (sleeping) » annonce son arrivée avec un épais groupe d’harmoniques à archet qui ressemblent initialement à des boucles de bande – ne serait-ce que jusqu’à ce que les parties individuelles divergent, la contribution de chaque interprète devenant de plus en plus stridente. Situé entre deux des morceaux les plus doux de l’album, le morceau saigne hardiment dans le rouge, son motif dissonant montant, descendant et remontant avec le début d’un autre passage au rythme rapide. L’album semble résister à la lisibilité à chaque instant ; les phrases qui émergent lentement sont ensuite abandonnées en moins d’une minute, alors que le trio passe d’un son à l’autre ensemble, atterrissant souvent loin du thème ou de l’idée originale.
Pourtant, passer au crible l’album en tant que recueil d’idées revient à passer complètement à côté de l’essentiel. Comme son titre l’indique, LE SON DU CORPS donne la priorité aux impressions subconscientes par rapport au type de grattage du menton que vous pourriez rencontrer ailleurs dans la musique classique ou expérimentale. Avec ses Méditations Soniques, Oliveros a reconnu que le son peut être réparateur dans les moments de crise personnelle et que faire de la musique ensemble, aussi grossière ou franche soit-elle, est l’un des grands plaisirs d’une vie vécue en compagnie des autres. S’appuyant sur leur travail individuel, où leur formation s’inscrit confortablement dans le contexte d’expériences tactiles avec des synthés et des magnétophones, le trio revient à l’idée centrale d’Oliveros. Ensemble, ils nous rappellent à quel point la collaboration peut être nourrissante.
