Le parcours d’Ecca Vandal vers le punk a été semé de détours vers les sons, les cultures et les identités que le genre représente rarement. Élevée sous les strictes attentes culturelles et religieuses de sa famille sri-lankaise, elle a quitté très jeune l’Afrique du Sud pour l’Australie, où elle a été immédiatement plongée dans les pressions culturelles très blanches de son nouveau quartier. Même si elle a suivi une formation de chanteuse de jazz au Victorian College of the Arts, les enfants de l’école l’ont rendue accro aux sons des icônes alternatives des années 80 et 90 : Radiohead, Fugazi, Pixies et Björk. Là, elle a eu la révélation que, comme elle l’a dit, « Ian MacKaye est tout aussi expressive que Billie Holiday » et a décidé de traduire cette conviction dans sa propre musique, même si aucune autre femme brune n’a relevé ce défi.
Lors de ses débuts éponymes en 2017, elle s’est plongée dans une gamme de sous-genres rock : goth-rock symphonique, post-punk glitch, alt-pop. Après quelques longues années de tournée derrière ce disque, elle s’est sentie épuisée – et au moment où COVID a fermé la scène musicale de Melbourne, Vandal avait soif de déconnexion, d’envie de se déconnecter. Elle a passé du temps avec le collaborateur et producteur Richie « kidnot » Buxton dans cette période et a commencé à faire de la musique dans sa chambre d’enfance, à passer la journée à faire du skateboard avant d’enregistrer et à adopter une approche créative isolée et libre.
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Cette retraite débranchée a conduit à À LA RECHERCHE DE PERSONNES À NE PAS SUIVRE, son deuxième disque. Ici, Vandal est en pleine floraison, pollinisant le punk avec d’étranges graines et diverses spores, et cultivant un jardin qu’elle seule pouvait semer. Dans « EYES SHUT », elle souligne à quel point les victimes innocentes de la guerre et des troubles sont ignorées alors que ceux qui sont au pouvoir mettent la main sur leurs poches. Alors qu’elle déverse sa colère sur des guitares déformées, des percussions martelantes et des fioritures de touches de piano, elle perpétue une tradition punk éprouvée consistant à interpeller ceux qui sont au pouvoir. Mais elle prend aussi le temps d’une introspection, offrant une dimension de vulnérabilité qui n’est pas toujours propre au genre. Sur « SORRY ! CRASH ! », elle fait appel à des rythmes d-beat et à des voix sinistres pour transmettre des sentiments de solitude ; sur « BLEED BUT NEVER DIE », elle parle librement de son cycle menstruel, ajoutant une nouvelle perspective aux métaphores : le sang ; voir rouge – qui a été utilisé à maintes reprises dans les chansons hardcore. Sur l’hymne du skatecore « CRUISING TO SELF SOOTHE », Vandal est à son meilleur – sarcastique, mordant et optimiste – sur une instrumentation spacieuse et réaliste. Sa voix et sa philosophie occupent le devant de la scène alors qu’elle présente un manifeste pour la musique et la vie : cette liberté créative, une expression de soi sans vergogne et le fait de ne pas avoir peur de se démarquer ont rendu sa carrière et son dernier album possibles.
Parfois, on peut avoir l’impression que l’album s’oriente vers un trop grand nombre de voies sonores. « CAME HERE FOR THE LOOT », par exemple, combine trap et hardcore sous des mesures audacieuses qui se jouent de manière inattendue comme un morceau du label Opium. Mais ailleurs, ses combinaisons stylistiques s’additionnent pour quelque chose de plus grand que la somme de leurs parties, comme les rythmes bhangra qui fusionnent avec le trip-hop atmosphérique sur « THEN THERE’S ONE », résultant en un morceau hip-hop satisfaisant et hypnotique qui semble à la fois moderne et directement sorti des années 90. La chanson amplifie ce qui rend l’album si captivant, alors que Vandal s’appuie sur ses expériences et ses goûts variés pour repousser continuellement les attentes sonores. Quoi de plus punk que ça ?
