Il y a des rumeurs qui n'arrêtent pas de parler, même lorsque le temps semble les avoir stockés dans les pages de l'histoire. Celui de Midge Ure en fait partie.
Une carrière de dix ans avec des groupes comme Slik, The Rich Kids, Thin Lizzy, Visage, Ultravox, au cœur de l'aide en direct et dans l'âme d'une époque qui croyait au pouvoir collectif de la pop.
Nous l'avons rencontré à l'occasion de sa tournée italienne: entre la mémoire et la lucidité, l'artiste écossais se reflète avec l'intelligence et l'analyse sur l'avenir de la musique, sur l'impact de la technologie et sur une idée de plus en plus rare de l'empathie artistique.
L'interview
Votre prochaine tournée est intitulée « Visage / Ultravox » Une sorte de synthèse de votre chemin artistique? Qu'y a-t-il dans votre musique de vision et qu'en est-il d'Ultravox?
C'est une question très intéressante, car cette tournée représente vraiment un voyage circulaire dans ma carrière. Je voudrais mieux expliquer: le visage était essentiellement la passerelle qui m'a conduit à l'ultravox. C'était en 1979, une période de ferment créatif incroyable à Londres.
Avec le visage, que j'ai aidé à trouver avec Rusty Egan et Steve Strange, nous voulions explorer de nouveaux sons électroniques, mais avec une approche différente et plus expérimentale.La formation comprenait des musiciens extraordinaires avec lesquels j'avais un fort désir de collaborer, y compris le brillant Billy Currie, qui a déjà joué dans l'ultravox. Et c'est précisément grâce à cette collaboration que j'ai vu l'ultravox de la formation originale – avec John Foxx sur la voix – traverser un moment de crise. Je me souviens très bien lorsque le chanteur a quitté le groupe, suivi du guitariste, tandis que la maison de disques les a abandonnés. C'est alors que je suis entré dans le groupe, apportant avec moi toute l'expérience et les innovations que nous développions avec le visage.
Cette période représentait une révolution non seulement pour ma carrière, mais tout au long de la scène musicale. Nous redéfinissons le son de l'époque, combinant la technologie émergente – les synthétiseurs, les enregistrements domestiques – avec une vision artistique qui dépassait le simple succès commercial. Avec Ultravox, nous voulions créer quelque chose de durable, de la musique qui avait une substance et un sens. Ironiquement, cependant, nous avons obtenu un grand succès commercial, mais c'était presque un effet secondaire de notre recherche artistique.
Des chansons comme Vienne, danser avec des larmes dans mes yeux ou s'estomper vers Gray sont considérées comme de vrais chefs-d'œuvre. Pourriez-vous approfondir ce qui, à votre avis, leur donne cette capacité extraordinaire à exciter même aujourd'hui après des décennies?
Il est toujours un peu gênant d'entendre ses créations définir comme des « chefs-d'œuvre », mais je comprends parfaitement l'affection que le public continue de démontrer pour ces chansons. Je voudrais partager une anecdote importante: il y a quelques années, John Taylor de Duran Duran m'a avoué que son groupe avait écouté à plusieurs reprises l'album « Vienne » tout en travaillant sur leur nouvel album, fortement inspiré par les années 80. Sa question était: « Comment diable as-tu fait? »
Ce qui l'a le plus frappé, c'est la capacité extraordinaire de notre son à combiner des éléments électroniques avec une âme profondément humaine. La réponse réside dans notre approche: rien n'était simplement programmé. Chaque note, chaque rythme a été joué manuellement, avec toutes les petites imperfections qui en dérivaient – qui éclairent le temps, ce minimal de dessin qui rend la musique vivante, tout comme cela se produit dans un orchestre symphonique ou dans n'importe quel groupe de rock.
Les gens associaient souvent la musique électronique à la perfection mécanique de Kraftwerk, mais nous voulions exactement le contraire. Si vous écoutez attentivement « Vienne », vous pouvez sentir le souffle humain derrière chaque note – les erreurs, les petites accélérations, ces détails imperceptibles qui font la différence entre une chanson techniquement parfaite et une chanson qui touche l'âme.
Je crois que le secret réside dans le fait que, au-delà des innovations technologiques, nous avons toujours écrit des chansons au sens le plus classique du terme – des structures mélodiques solides, des textes qui parlent de l'expérience humaine. Fashions passe, mais une bonne chanson demeure. Les synthétiseurs étaient simplement nos moyens expressifs, pas le but.
Il y a 40 ans, avec Bob Geldof, vous avez créé Band Aid and Live Aid, un événement sans précédent. Aujourd'hui, dans une industrie et dans une société qui semble plus individualiste, que pensez-vous qu'elle est restée de cet esprit? Un tel événement serait-il encore possible?
Nous vivons dans une époque profondément différente et pour comprendre l'aide en direct, vous avez pour la contextualiser historiquement. Lorsque nous avons écrit « Savent-ils que c'est Noël? », Bob et moi étions simplement deux musiciens qui voulaient aider. La partie créative – écrire la chanson – était relativement simple. Le vrai défi était l'organisation: réunir tous ces artistes de premier plan dans une étude, enregistrer, mélanger et distribuer le disque à temps pour Noël.
Mais le succès a dépassé nos attentes. Les gens ont répondu avec enthousiasme parce qu'ils ont vu des musiciens célèbres – des gens qui s'associent au luxe et au succès – se sont mis au service d'une cause humanitaire sans belles secondes. Il y avait une authenticité que aujourd'hui est peut-être plus difficile à trouver.
L'aide en direct était un miracle technologique pour l'époque. Pour faire une comparaison: les Jeux olympiques de 1984 ont utilisé trois satellites pour la transmission mondiale. Nous avons utilisé seize! Personne ne savait s'il serait vraiment possible de connecter des concerts en direct de Londres, de Philadelphie, de Sydney et de Tokyo. Il a fallu une dose folle de naïveté et l'optimisme inégalé des jeunes.
Bob Geldof a apporté avec lui l'attitude punk du « juste faire » – pas de discussions, non « ne peut pas être fait ». Si nous avions trop analysé les difficultés, nous n'aurions probablement même pas essayé. Mais nous étions jeunes, pleins d'idéaux et de détermination.
Un autre facteur crucial a été la relation publique avec la musique. Dans les années 80, la musique a été une expérience totalisée. Il n'y avait pas de streaming, de médias sociaux ou de jeux vidéo illimités à distraire. Lorsqu'un événement comme Live Aid s'est produit, il est devenu le centre absolu de l'attention du monde. Aujourd'hui, la surabondance des stimuli rend plus difficile de capturer cette même concentration collective.
Ayant toujours été un pionnier dans l'utilisation de nouvelles technologies musicales, comment voyez-vous l'impact de l'intelligence artificielle sur l'avenir de la musique?
L'IA est probablement le défi le plus complexe auquel la musique est confrontée depuis l'époque de l'avènement du numérique. Le phénomène le plus inquiétant est celui des « artistes fantômes » sur Spotify – des profils qui génèrent des millions de flux avec de la musique complètement produits par des algorithmes, sans exister un vrai musicien derrière.
Mais je voudrais faire une distinction importante: l'IA est un outil, car le synthétiseur ou l'enregistreur multitrack était dans le passé. Le problème n'est pas la technologie elle-même, mais comment elle est utilisée. L'IA peut certainement imiter les styles musicaux, combiner les modèles existants, mais la vraie question est: peut-elle créer de l'art?
La musique, dans son essence la plus profonde, est une expression de l'expérience humaine – joie, douleur, rébellion, amour. C'est la capacité d'un artiste à traduire les émotions en sons. Pour l'instant, l'IA ne peut que retravailler ce qui existe déjà, sans cette étincelle d'authenticité qui découle de la vie vécue.
Je crois que le vrai danger n'est pas que l'IA remplace les artistes, mais qu'il sature le marché par un bruit de fond qui rend plus difficile pour le véritable art d'émerger. Cependant, ils sont optimistes: les gens continueront à chercher les chansons qui parlent directement au cœur, qui racontent des histoires à identifier. Et c'est, du moins pour l'instant, le domaine exclusif de l'âme humaine.
Vous avez un lien spécial avec l'Italie. Pourriez-vous partager une mémoire particulière et parler de vos collaborations avec des artistes italiens?
L'Italie est devenue une deuxième maison pour moi. Ma première tournée italienne remonte aux années 80, et depuis lors, je n'ai jamais cessé de revenir, à la fois pour le travail et s'il vous plaît. Avec ma femme et nos quatre filles, nous avons exploré tous les coins du pays – des Alpes à la Sicile, en passant par les merveilles artistiques de Florence et de Rome.
Une mémoire particulièrement tendre préoccupe lorsque mes filles étaient petites. Les Italiens ont une approche si chaleureuse avec les enfants qui déménageaient pour nous. Je me souviens des promenades à Milan ou à Rome où des étrangers parfaits se sont arrêtés pour féliciter ou jouer avec les filles – un sentiment de communauté qui, au Royaume-Uni, est plus rare.
Quant aux collaborations, j'ai eu le plaisir de travailler avec plusieurs talents italiens. Avec Enrico Ruggeri, nous avons partagé la scène à plusieurs reprises (Aussi une maison dans son programme), alors qu'avec Gianna Nannini, il y avait une relation professionnelle plus étroite, grâce également au producteur Conny Plank qui avait travaillé avec moi et avec elle.
Dans les années 80 du Royaume-Uni, il était rare d'écouter de la musique européenne: c'était tout américain ou anglais. Heureusement, tout a changé maintenant. Aujourd'hui, les frontières musicales sont beaucoup plus ouvertes et c'est bien. L'Italie a une tradition musicale extraordinaire – des paroles au rock – et je suis désolé que le Brexit ait créé une fracture culturelle. Je suis convaincu que nous ferons partie de la grande famille européenne, car l'art et la musique ne connaissent aucune limite.
Y a-t-il quelque chose que vous aimeriez ajouter pour vos fans italiens qui ont hâte de vous revoir?
Je voudrais simplement dire merci – merci pour l'accueil toujours chaleureux, pour la passion avec laquelle vous avez suivi ma musique pendant tant d'années. Lorsque je monte sur scène en Italie, je ressens une énergie spéciale, un lien authentique avec le public. Je promets que nous apporterons un spectacle qui célèbre non seulement les succès du passé, mais aussi l'esprit innovant qui nous a toujours guidés. J'ai hâte de vous revoir bientôt!
Info et billets
29/08/2025 – Soulignez l'esprit – Rimini
30/08/2025 – Musique dans le village – Pordenone
Cliquez pour acheter des billets
https://www.instagram.com/midge_ure
http://www.midgeure.co.uk/
https://twitter.com/midgeure1
