Un an après « IN:titolo », Giulia Impache sort « Alone Song » avec Charlotte Jacobs et inaugure une phase de transition vers le prochain album.
« Alone Song » est configuré comme un objet sonore liminal, ce qui met à mal l’idée même d’une progression unique et discographique. Giulia Impache travaille sur une forme instable, choisissant d’habiter « l’entre » : entre un album terminé et un album encore en gestation, entre écriture et abstraction, entre présence émotionnelle et dissolution.
Entre avatars cosmiques et écriture abstraite, entre électronique et mémoire de la chanson italienne, Impache construit un passage qui est déjà une déclaration d’intention.
Nous l’avons rencontrée et avons discuté de la liberté de composition, de la dimension live, de l’homologation du mainstream et d’une idée d’évolution qui rejette la zone de confort.
L’ENTREVUE
« Alone Song » arrive un an après « IN:titolo ». Quelle nature cette chanson a-t-elle dans votre parcours ?
C’est né comme un acte de liberté. Après un enregistrement, vous attendez le second, une trajectoire linéaire. Au lieu de cela, cette pièce est apparue alors que j’expérimentais de nouveaux sons sur le synthétiseur, alors que j’étais déjà plongé dans l’écriture d’une autre œuvre. Il ne faisait pas partie de ce projet et c’est précisément pour cette raison qu’il risquait d’être suspendu.
Je sentais qu’il fallait le sortir maintenant, sans excuses. Partager de la musique ne doit pas toujours être une stratégie. Parfois, c’est juste une nécessité.
Vous avez dédié la chanson à Bimba Splendente. Qui est?
C’est un de mes avatars, une figure qui incarne le côté curieux et ludique que je cache le plus au quotidien. Je me perçois comme une personne sérieuse, même dans les thèmes que j’aborde dans les disques. Ici, je voulais ouvrir un espace différent. « Alone Song » parle de voyages cosmiques, d’autres mondes.
J’ai choisi l’anglais pour une question de son, pas de sémantique. Les phrases ne cherchent pas à être complètes.
Je m’intéressais à l’abstraction, à la dimension surréaliste, à une légèreté non superficielle mais lumineuse.
Comment Charlotte Jacobs s’inscrit-elle dans cette constellation ?
Je l’ai rencontrée grâce à Marta Del Grandi, qui me l’a présentée lors d’une de ses tournées en Italie. Je l’ai hébergée à Turin, dans l’espace que je gère avec le collectif Pietra Tonale. Il y a eu une affinité immédiate. Après avoir écouté mon album, elle m’a écrit et à son retour en Italie, nous avons partagé un concert au Germi de Milan. Nous nous sommes dit au revoir avec l’idée de faire quelque chose ensemble.
Quand j’ai composé « Alone Song » j’ai pensé à elle : je voulais aussi que la collaboration soit libre, voire géographiquement distante. Je lui ai donné quelques instructions, puis je l’ai laissée bouger de manière indépendante. J’ai fait confiance à son goût et à sa sensibilité tonale. Sa voix ne dialogue pas, elle se glisse dans le chant comme un déplacement perspicace supplémentaire.
Votre musique a une forte composante visuelle. Comment l’image et le son s’entremêlent-ils ?
Je suis issue d’études artistiques, j’ai fréquenté un lycée d’art et suis diplômée en histoire de l’art. L’image est toujours le premier élan. Je compose comme si j’avais une palette devant moi : je travaille les couleurs, les stratifications. Dans le passé, je me suis consacré à l’art informel, attiré par la force de la tache et la suggestion chromatique.
Cette approche est devenue vocale grâce à l’improvisation. Je recherche différentes couleurs et je les superpose. Je me sens plus comme un peintre qui traduit la couleur en son que comme un compositeur au sens traditionnel du terme. L’image précède le mot. La mélodie et les accords arrivent, puis seulement le texte intervient, souvent comme un écho d’un imaginaire déjà formé.
Un an après la sortie de « IN:titolo », changeriez-vous quelque chose ?
Non. C’était un geste nécessaire, presque fondateur. Après des années de projets collectifs, choisir le nom de Giulia Impache, c’était en assumer l’entière responsabilité. Bien sûr, il collectionnait les chansons écrites trois ou quatre ans plus tôt. Cela me représente, mais pas complètement. Le travail que je développe désormais va ailleurs.
Je ressens un détachement que je considère comme sain. Je ne veux pas rester ancré dans une forme déjà définie. En ce sens, « Alone Song » est aussi un signal de transformation, un seuil qui déclare un mouvement en cours.
Ce nouveau single est un point de départ. Avez-vous déjà du matériel supplémentaire prêt ? Travaillez-vous sur le nouvel album ?
Un autre single sortira en avril, mais ce sera une reprise. En fait, je préfère appeler cela une refonte. « Alone Song » et cette chanson sont conçus pour coexister, comme un diptyque de transition entre « IN:titolo » et l’album que j’écris actuellement. La nouvelle œuvre comportera beaucoup plus de textes en italien, ces deux épisodes fonctionnent donc comme un pont, comme une zone de transition.
Pouvez-vous révéler de quelle couverture il s’agit ?
Il s’agit d’une relecture très personnelle de « Una Brief Season », une chanson méconnue écrite par Ennio Morricone Et Sergio Endrigo pour le film du même nom des années 1960. C’est une chanson que j’ai découverte il y a des années, lors de recherches que je faisais avec Jacopo Acotesca sur le répertoire pop et orchestral de Morricone.
Je le jouais déjà en live, cela me paraissait injuste de le confiner à cette dimension.Je parle rarement d’amour directement dans mes disques. Mais dans le prochain, ce thème apparaîtra plus clairement. « Une courte saison » est devenue une porte d’entrée parfaite : elle unit ma formation liée à la chanson italienne des années 60, à l’électronique contemporaine et à un certain amour pour les musiques anciennes que j’explore de plus en plus.
Cette tension entre électronique et tradition est-elle au cœur de votre parcours ?
Oui, parce que je ne le vis pas comme une contradiction. L’écriture italienne de ces années-là a été fondamentale pour ma croissance. Aujourd’hui je l’ai relu avec les outils dont je dispose : synthétiseurs, manipulation vocale, improvisation. Ce n’est pas le fonctionnement nostalgique qui m’intéresse, mais la friction. C’est dans cette friction que je sens naître quelque chose d’authentique.
Je vais vous poser une question inévitable : quelle relation entretenez-vous avec Sanremo ?
Je le considère presque comme une expérience sociale. Egalement dû à une déformation professionnelle : j’enseigne le chant, je dois donc me tenir au courant. Avec un collègue nous analysons les performances de manière technique, nous observons l’écriture, l’interprétation, la gestion vocale.
Je n’aime pas les compétitions en général. Sanremo a produit des chansons importantes dans l’histoire de la musique italienne, mais aujourd’hui elle me semble avant tout être une vitrine très homogène. La musique italienne est plurielle, stratifiée. Une seule portion arrive sur la scène Ariston, souvent la plus rassurante.
Vous verriez-vous un jour sur cette scène ?
Je ne snobe rien. Si l’occasion se présentait, j’y réfléchirais. Sanremo fait également partie d’un écosystème. L’important est de ne pas se perdre. Pour moi, la cohérence passe avant l’exposition.
Vous parlez souvent de l’acceptation du grand public. Était-ce un acte de courage de sortir un disque comme le vôtre en Italie ?
Lorsque je cherchais un label, j’ai également reçu des intérêts de l’étranger. Aux États-Unis, il existe peut-être une utilisation plus naturelle pour un certain type de proposition. Puis un label italien m’a répondu et j’ai pensé que ça valait le coup d’essayer ici.
Dans un panorama bombardé de formules répétitives, proposer quelque chose de légèrement oblique est déjà un geste politique. Paradoxalement, nous craignons l’intelligence artificielle, mais nous pratiquons la normalisation depuis des années. C’est pour cela que je me sens chanceux : même si un projet comme le mien attire l’attention, cela signifie que le public veut du changement.
Et la dimension live ? Comment ça évolue ?
Nous fermons les dates pour le printemps et l’été. « IN:titolo » a déjà traversé plusieurs villes, Rome, Milan, Bologne. J’aimerais aussi retourner à l’étranger, où, avec d’autres projets, j’ai trouvé des réponses très attentives.
Mais je dois dire que l’Italie m’a surpris. Il existe une réelle curiosité pour la musique inédite, malgré le discours dominant affirmant le contraire. C’est fragile, mais c’est là. Et cette fragilité, comme dans mes chansons, peut devenir un terrain fertile.
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À PROPOS
Julie Impache est un chanteur et compositeur italien. Ses recherches sonores et musicales explorent la voix en relation avec le corps sur le plan technique et émotionnel. Il se tient à l’écart des étiquettes et des genres, essayant de conserver sa nature hybride, donnée par le mélange d’influences allant de la musique ancienne au folk et de l’ambient à l’électronique « spatiale ». Ouverte à l’écoute, elle a su façonner un mélange stylistique et sonore qui implique la voix comme instrument pour créer des sons enveloppants, éthérés et sombres.
Ses recherches visent également à rompre le lien canonique avec les mots. Expérimentant avec les sons, il se retrouve à parler de nouveaux langages basés sur la connotation, sur le phonème libre de tout lien conceptuel prédéfini, le même mélange émotionnel et évocateur que peut apporter un son.
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