Interview - LAMANTE "Je ne dis pas au revoir" entre deuil, rêves et église où le disque a trouvé son corps

Le climat extérieur semble être un détail, mais il devient essentiel au récit de notre rencontre. Un seuil d’entrée : la pluie, le vent, une saison, le printemps, qui se teinte d’hiver et qui resserre et oblige à se mettre à l’abri.

C’est de cette intimité forcée que commence le dialogue avec Lamante, entre lieux intérieurs et territoires réels qui se reflètent sans jamais complètement coïncider.

Tout autour de sa musique et de son nouvel album « Non dice addio » un album qui marque un passage profond et nécessaire dans son parcours créatif, entièrement écrit par elle et réalisé avec Taketo Gohara.

Voici notre conversation…

Commençons par là, par cette journée qui semble avoir tout pour plaire.

Je suis sous la couette, et ça me va. Le froid m’appartient plus que la chaleur, c’est presque un état mental.
Je viens de Schio en Vénétie, un endroit où la lumière n’est jamais agressive, et je crois que cela a aussi façonné ma façon d’être au monde.

Le nouvel album arrive après « In memoria di ». Qu’est-ce qui a changé entre-temps ?

Le silence. Pas celui externe, parce que j’ai fait beaucoup de rendez-vous, il s’est passé beaucoup de choses. Mais à l’intérieur, il y avait un vide complet et superposé.
« En mémoire de » était une œuvre immergée dans les paroles des autres, dans ma famille, dans les archives, dans les lettres. Puis tout recula.
C’est resté un espace silencieux pendant près de deux ans. Et c’est là qu’est né le véritable changement.

Le silence donc comme matrice, non comme absence.

Exact. Ce n’était pas une soustraction, c’était une transformation. Les mots ne venaient plus du dehors et je ne les cherchais pas.
C’était comme si je devais écouter autre chose, quelque chose de plus lent, de moins disable.

Une idée forte de territoire entre également dans l’album. Schio, la Vénétie profonde.

Schio est une structure émotionnelle avant même une structure géographique. Je vis dans un endroit où la terre est bétonnée, mais le ciel est toujours très proche.
Il existe une tension continue entre ces deux pôles. Je viens d’une famille d’agriculteurs, donc la matière a toujours été primaire, mais en même temps il y a une verticalité presque préalpine qui vous emmène ailleurs.
Ce dualisme entre dans l’écriture sans demander la permission.

L’album a été enregistré dans une église. Un choix non neutre.

Ce n’est pas du tout le cas. Au début nous avons essayé un studio à Milan, avec une logique d’enregistrement direct similaire au premier album. Mais ça ne marchait plus. Le producteur a compris que le centre thématique était le dépassement du deuil et qu’il avait donc besoin d’un lieu qui contienne tout : la vie, l’amour, la mort.
La réponse était une église.
Et encore mieux si lié à ma famille.
Nous l’avons trouvé à Schio, une église qui fait partie de mon histoire personnelle depuis des générations.
Là, le disque a retrouvé son corps.

Vous avez évoqué à plusieurs reprises l’idée du « monde du milieu » dans vos chansons. Que signifie aujourd’hui pour vous ?

C’est une zone instable. Il a aussi pour moi une déclinaison plus concrète : la frontière entre les vivants et les morts, entre ce qui reste et ce qui continue de parler en nous.

Schio peut-il être lu comme un lieu intermédiaire ?

Oui. C’est un lieu plein de stratifications industrielles abandonnées, de présences qui ne sont plus présentes.
Et puis il y a une mémoire politique, sociale, voire conflictuelle, qui ne s’est jamais complètement dissoute.
C’est une ville qui vit avec ses fantômes. Et en ce sens, c’est parfaitement un monde intermédiaire.

Une dimension très personnelle de deuil et de perte entre également dans votre histoire.

Oui, mais pas dans un sens autobiographique linéaire. Il s’agit plutôt d’une réflexion sur ce qui reste dans les corps, dans les langages, dans les vides. Même le langage a des limites pour dire certaines choses.
Il y a des expériences qui restent suspendues, et la pensée y revient toujours. De là naît également le monde du milieu : de ce qui ne peut être complètement nommé.

L’imagerie visuelle du projet semble avoir une genèse onirique.

Presque tout vient des rêves. Je les transcris et les dessine depuis des années. J’ai des cahiers remplis de ce matériel. Nous travaillons avec le réalisateur, il les décode.
L’un des rêves récurrents était une colline pleine de croix, avec une petite maison et des oiseaux rouges essayant de percer le plafond.

Et cette image est devenue réelle.

Dans un certain sens, oui. Nous avons commencé à le chercher et nous l’avons finalement trouvé en Lituanie, sur la Colline des Croix. Quand je suis arrivé là-bas, j’ai réalisé que ce n’était pas un lieu de mort, comme je l’avais craint dans mes rêves, mais une archive de vie et de résistance. En fait, la colline est née comme sanctuaire d’ex-voto : les gens portaient des croix pour la grâce reçue, et non pour commémorer la fin de quelque chose. Ce n’est pas un cimetière, c’est un lieu traversé par une très forte tension vitale. Même la petite maison d’à côté était pleine de pancartes, d’objets, de traces laissées par les gens. À ce moment-là, tout le rêve changea de sens.

Ainsi, même le rêve a finalement été corrigé par la réalité.

Ou alors c’était la réalité qui attendait d’être atteinte. Je ne sais pas. Mais là, la boucle était bouclée.

Et si vous deviez résumer cet album en une seule image mentale ?

Un lieu qui respire entre deux états. Je ne sais pas si c’est une église, une colline ou une pièce. Mais c’est quelque chose qui ne cesse de swinguer.

Et maintenant, où allons-nous ?

Je ne dis pas au revoir. Je dis que nous pouvons retourner là où les choses sont nées. Ne serait-ce que pour les réécouter à une autre distance.

Je dédie cet album à ma mère. Jusqu’au jour de sa naissance. À ma mère, mon enfant, ma fille, ma sœur. À ma mère orpheline qui est elle-même devenue mère.
Cet album parle de la chance d’être sa fille et d’essayer de comprendre ce que signifie, grâce à elle, donner naissance à la vie qui ne se réalise que dans le deuil de sa fille. Je n’avais jamais pu écrire dans les pages de mes cahiers parce que c’était toujours plus facile pour moi de parler de la douleur, parce que l’amour pur ne se chante pas, et c’est une chanson d’amour.

LISTE DES TRACES

VIDÉO

La vidéo de « Une magie plus forte que la mort » a été tournée en Lituanie, dans le lieu dont Giorgia avait rêvé puis recherché avec Nicolò Bassetto, réalisateur du clip vidéo.

Dans le rêve, Giorgia se voyait sur une colline pleine de croix, à côté d’une maison survolée par des volées d’oiseaux. Après de longues recherches, ils découvrirent que ce lieu existait réellement : ce n’était pas un cimetière, mais un sanctuaire d’ex-voto. Ces croix ne parlaient donc pas de mort mais de vie, de mémoire et de dévotion. C’est pourquoi la vidéo accompagne « Une magie plus forte que la mort », une chanson qui parle du deuil comme d’une expérience à la fois collective et profondément privée, mais traversée par une forte tension vitale : face au vide on peut succomber ou choisir de célébrer la vie.

Une petite fille apparaît dans la vidéo, habillée comme Giorgia lorsqu’elle était enfant. Il semble victime de la violence qui traverse le récit, incarné par un homme armé d’un fusil, figure inspirée de l’arrière-grand-père peintre de Giorgia mais aussi symbole d’une masculinité toxique, incapable de se désarmer. À côté de la petite fille, il y a toujours un chien, signe d’innocence et de protection. Giorgia adulte apparaît à côté d’un œuf d’autruche, symbole de fertilité et de renaissance. Lorsqu’elle court vers le cri de la petite fille, on comprend que la vidéo se déplace sur deux plans temporels : la petite fille et Giorgia adulte sont la même personne, ayant survécu et grandi au fil du temps. En finale, le chien protège l’œuf, se transformant en symbole de salut et de continuité de la vie. La réponse finale de la chanson est précisément la suivante : la magie la plus puissante de la mort est l’amour qui survit.

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À PROPOS

LAMANTE est le projet musical de Giorgia Pietribiasi (1999), auteure-compositrice-interprète née et élevée à Schio (VI). Musicienne et plasticienne, elle écrit et joue depuis son plus jeune âge, apportant à sa musique une urgence expressive faite de mémoire, de racines familiales et de tension émotionnelle. Sa voix sombre et acérée et son écriture intense transforment les expériences personnelles et collectives en images sonores au caractère « tribal et matriarcal ». En 2023, elle fait ses débuts sur les plateformes numériques avec « L’ultimo Piano », une chanson qui la mène à la finale Musicultura et lui vaut le Prix Nuovo IMAIE. Avec la prestigieuse collaboration du producteur Taketo Gohara, ont suivi les singles « Come wanted to be » et « Rossetto », et une intense activité live qui l’a également amenée à ouvrir les concerts de Negramaro aux Arènes de Vérone. En 2024, il sort son premier album « In memoria di », un disque puissant et visuel qui retrace les origines, les souvenirs et les identités. Le clip vidéo de « Don’t call me beautiful » remporte le PIVI 2024 et, en 2025, trois Videoclip Italia Awards. Avec l’album Lamante, il a été finaliste au Targhe Tenco 2024 (Première œuvre), a reçu la reconnaissance du meilleur album italien 2024 de Rockit et a remporté le prix spécial « Emerging Artist » aux Rockol Awards 2024. La même année, il collabore avec Levante et Paolo Benvegnù. Après la sortie de l’album, elle choisit de se concentrer sur l’écriture et le live : plus de 50 dates dans toute l’Italie, jusqu’à ce qu’elle soit choisie par Coez comme première partie de toute la tournée dans les arènes.
En 2025, il continue sa tournée et continue de travailler sur les chansons de son prochain projet d’enregistrement. En 2026, il publie deux chansons « Un canto nuova » et « Ritorneramo a Guarda il cielo » qui anticipent la sortie de son deuxième album « Non dico addio ».

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@lamante.giorgia