« Se retrouver seul d’un coup » est le nouvel album de Marco Giudici qui arrive 5 ans après « Des choses stupides d’une importance énorme ».
Il revient avec un disque qui affronte courageusement la perte, dans un sens littéral et plus abstrait. La perte, ou plutôt le détachement, sous toutes ses formes. Le détachement d’une personne, celui qu’on met à l’écart de certaines habitudes, l’éloignement de certains désirs. Lâcher prise sur certaines parties de soi, ce qui est peut-être l’aspect le plus significatif.
Pour moi, l’écrire signifiait commencer à dialoguer avec certaines choses de la vie qui me faisaient beaucoup peur et qui me font peut-être un peu moins peur maintenant, juste assez pour pouvoir y faire face.
Neuf titres, dont deux instrumentaux, qui confrontent l’auditeur à la douleur, à la solitude, à la fragilité. Et en même temps l’envie de réussir, la force du partage, le courage du changement.
Dans cette longue conversation l’artiste parle de la solitude comme point de départ, de la fascination pour les timbres imparfaits, du rapport à la perte et du choix d’une approche musicale plus physique et matérielle. Un dialogue qui reconstitue le long chemin qui a conduit à la nouvelle sortie et l’horizon live qui l’attend.
L’ENTREVUE
Le nouvel album arrive après cinq ans : une longue décantation. Pourquoi as-tu laissé passer autant de temps ? Qu’est-ce qui est né à cette période et quelle a été votre approche créative ?
C’est une question qui ouvre de nombreuses portes. Mon premier disque est sorti en plein Covid : je n’ai pas pu le vivre, et pour moi « vivre un disque » signifie simplement le transporter, le jouer, comprendre comment il résonne en moi à travers l’expérience. Cette phase permet de comprendre comment les chansons se transforment, quel genre de vie elles prennent. N’ayant pas pu le faire, et avec tout ce qui se passait dans le monde, un moment de fort changement personnel s’est créé.
J’ai commencé à me demander pourquoi je faisais de la musique, comment je la faisais, ce que je recherchais dans ce métier. Des questions auxquelles je devais répondre, car soit j’étais confronté à ce dialogue interne, soit j’arrêtais tout simplement.
Ensuite c’est aussi mon métier : j’ai des responsabilités, mais je crois que beaucoup ont traversé des questions similaires. De là est venue une certaine lenteur naturelle.
En 2022-23, mon EP « Io cerca per sempre un bivio safe » est également sorti, qui a ensuite été intégré à l’album. Là je suis parti de la musique d’ambiance que je produisais pour mon bien-être, pour remplir mes espaces. Il m’est venu naturellement d’en parler et j’ai ressenti le besoin de raconter ce passage.
En plus, je travaille souvent sur la musique des autres, et chacun son tour : je ne me considère jamais en avance sur personne. Par exemple, il y a eu l’album Any Other, qui a demandé beaucoup d’énergie et de temps. Une chose après l’autre, c’était simplement l’heure de ma musique.
Je ne pense pas qu’il devrait y avoir de soucis dans la créativité : quand ça arrive, ça arrive. Cela peut arriver dans un mois ou dans cinq ans. Je vis aussi la musique de manière collective, avec beaucoup d’échanges, ce qui signifie moins de temps pour mon parcours personnel – mais c’est un échange qui m’enrichit plus que l’angoisse de produire sans cesse.
Au niveau lyrique, vous abordez des angles émotionnels complexes : la solitude, le deuil, le détachement. Qu’avez-vous essayé de raconter dans ces morceaux ?
Il y a un sentiment de solitude qui est cependant plus un point de départ qu’une destination. Une refonte du détachement, du deuil au sens large, pas forcément lié à la mort physique. Ce sont des sentiments difficiles à dialoguer sur un pied d’égalité : cela a peut-être quelque chose à voir avec cette phase de ma vie, avec la capacité – nouvelle, encore en construction – d’y rester.
Pour moi, ces coins ne sont pas vraiment inconfortables : c’est grâce à eux que je communique avec les gens qui me tiennent à cœur, mes amis. Je réalise que parfois elles pèsent lourd, et que tout le monde ne vit pas ces émotions avec la même ouverture. Je le comprends et le respecte. Mais pour moi, c’est naturel d’en parler, c’est même un soulagement. Je crois que la musique finit par refléter cette façon d’être au monde.
Musicalement il y a une grande recherche timbrale, même à travers des instruments inhabituels. Comment est né ce travail plus « organique » sur les sons ?
Pour moi, ce n’est pas vraiment de la recherche : c’est mon quotidien. Je me rends compte que de l’extérieur, cela peut paraître bizarre de repêcher un célesta ou un dulcitone et d’y insérer un tube de distorsion, mais c’est juste ma fascination naturelle. Je m’intéresse au timbre des instruments physiques, au mouvement de l’air, au son qui vit dans une pièce. Cela me donne un sentiment immédiat d’organicité.
J’aime aussi l’imperfection : on touche quelque chose et quoi qu’il arrive, il arrive, sans contrôle sur mille variables. Le défi est d’inscrire ces timbres dans un contexte sonore qui est, d’une certaine manière, en conflit avec cette imperfection. Les effets et la post-production servent à maintenir l’identité de l’instrument et en même temps à l’intégrer dans un espace plus « irréel ». C’est une synthèse du réel : un dialogue entre vérité physique et traitement sonore.
Qu’écoutes-tu ces jours-ci ? Y a-t-il quelque chose qui vous a frappé ou que vous avez redécouvert ?
Pour être honnête, je viens d’une longue période de jeûne en écoutant de la nouvelle musique. Je revenais souvent à des choses que je connaissais déjà.
Dernièrement, la dimension textuelle m’a beaucoup ému, peut-être parce que, travaillant quotidiennement sur la musique, je suis déjà immergé dans un flux continu d’entrées sonores. J’aime retrouver des sensations musicales qui ne viennent pas forcément des instruments. Et j’écoute beaucoup le premier album de D’Andrea : je n’aurais jamais pensé le faire, mais ça me fascine vraiment.
La couverture : comment est-elle née, qui l’a créée et pourquoi cette image ?
Il a fait la couverture Jacopo Lietti, d’abord un ami, puis une personne avec qui je partage également le groupe Liquami. Ces deux dernières années, nous avons été très proches : j’ai fait l’album de Terminez avant votre arrivéeson groupe, et il avait déjà créé Bivio Sicuro.
Je ne lui ai donné aucune instruction : je lui ai juste dit d’écouter le disque et de suivre ce qui lui semblait juste. Un jour, dans la voiture, parlant des sensations que lui procurait la musique, il a évoqué l’image de ce qui arrive à votre vue lorsque vous regardez le soleil trop longtemps. Une ampoule s’est allumée dans ma tête : c’était exactement la même indication que j’avais donnée au tromboniste Federico Fenu se retrouver seul. Cela devait avoir l’air d’être un peu aveuglé par le soleil, ému, désorienté.
Lorsque Jacopo m’a envoyé la première épreuve, j’ai immédiatement ressenti quelque chose. Plus je le regardais, plus il me convainquait. Et au final j’ai compris que c’était la bonne : une lueur qui laisse un halo dans les yeux, à l’image de certaines émotions.
Et vivre ? Comment imaginez-vous la transposition de l’album sur scène ?
Nous travaillons sur la tournée. En live, j’ai essayé de conserver une simplicité qui est plus cachée sur le disque. Toutes les couches, les processus sonores complexes, ne seront pas ignorés car mon oreille en souffrirait autrement, mais j’ai essayé de réduire les sensations à quelque chose de plus direct.
S’il y a du bleu, ce ne sera pas du bleu clair. S’il y a du rouge, ce ne sera pas une rose. Un geste clair plutôt que la somme de nombreux petits gestes. Nous serons quatre : guitare, basse, batterie et claviers. Une formation essentielle, qui restitue le noyau émotionnel des pièces. Sur scène avec moi il y aura Alessandro Cao et Luca Sguera, plus un quatrième musicien. Ce sera un live show simple mais très précis.
Dans la critique de l’album nous écrivions : « Marco est un carrefour sûr à écouter, une habitude de vie, un moyen de comprendre pour ne pas se retrouver seul, soudain seul. » Est-ce une image qui, selon vous, vous appartient ?
Oui, il y en a. C’est mon record, donc bien sûr j’en assume la responsabilité. Si vous y avez vu une mosaïque, c’est probablement parce que cette mosaïque est réellement là.
PRODUCTION
La production et les arrangements, dans certains cas aussi l’écriture (dans un carrefour sûr et froid), sont partagés avec Adele Altro, avec qui Giudici confirme un partenariat artistique et personnel étroit et éprouvé.
La batterie est d’Alessandro Cau, choisi pour la lecture et la profondeur émotionnelle de son jeu ; et Nicholas Remondino, recherché pour sa manière très personnelle d’approfondir les sons, d’ajouter des couches, des gestes, de porter le temps de manière fragile et engageante.
Federico Fenu jouait du trombone et Fausto Cigarini de l’alto et du violon.
Les voix du chœur sont Marta Del Grandi, Cecilia Grandi, Adele Altro, Marco Fracasia, Giulio Stermieri, Alessandro Cau et Nicholas Remondino.
EN DIRECT
Marco, le samedi 29 novembre, se produira avec Adele Altro au FESTIVALINO, prévu ce soir, vendredi 28 et demain, samedi 29 novembre à Ferrare.
En plus de lui sur scène, Giulia Mei, Juni, Korobu, Citrus Citrus, Carlo Pastore et Elisa Graci font partie des invités de deux jours de spectacles live, de conférences et de showcases.
Dans les rues des festivals qui prendront vie dans deux lieux importants pour l’activité sociale et culturelle de la ville : Officina MECA et le Circolo Arci Bolognesi.
WEB ET SOCIAUX
@marcogiudici.it
