Synthpop, minimal wave, électronique, post-punk, goth, new romantique, la Nation of Language vit dans cet espace liminal où les étiquettes et les genres cessent d’être des catégories et deviennent de simples hypothèses.
Leur musique, menée par la voix de Ian Richard Devaney, ne recherche pas la nostalgie mais la traverse, la déconstruit, la réinterprète jusqu’à transformer la synthèse électronique en un geste étonnamment humain, presque épidermique.
Avec « Dance Called Memory », Devaney, leur dernier album, revient à une urgence primordiale, écrivant à la guitare et laissant la vulnérabilité devenir le moteur et la matière de l’album.
Nous les avons rencontrés lors de leur récente apparition au Magazzini Generali de Milan, pour parler de vulnérabilité, d’identité, de technologie et de ce mince fil émotionnel qui continue de maintenir leur musique ensemble.
L’ENTREVUE
« Dance Called Memory », votre dernier album, semble construit comme un journal intime en filigrane, écrit entre mélancolie et lucidité. Qu’est-ce qui vous a poussé à laisser la vulnérabilité devenir le moteur de cet album ?
Je suppose que, d’une certaine manière, je n’avais pas beaucoup de choix : la mélancolie était la seule chose sur laquelle mon esprit pouvait se concentrer, et la musique était le seul véritable exutoire dont je disposais. Beaucoup de nos fans ont été vulnérables avec moi, me disant ce que notre musique signifiait pour eux, alors j’ai senti que, traversant ma propre crise, j’avais un endroit sûr pour être vulnérable – peut-être même une responsabilité de l’être. Dans de nombreux aspects de la vie, j’ai dû porter un masque sur mes émotions, et il était important pour moi que la musique ne fasse pas partie de ces lieux.
Ian, tu as dit que tu avais écrit les nouvelles chansons « pour te distraire de la dépression ». Dans quelle mesure ce processus était-il thérapeutique, et dans quelle mesure restait-il un acte presque clinique d’auto-observation ?
Je dirais que c’était plus ou moins un 50/50. Il y a une profonde satisfaction à avoir le sentiment d’avoir créé quelque chose qui reflète vraiment ce que vous ressentez, et c’est incroyablement thérapeutique. Mais cela implique aussi de s’asseoir avec sa misère, sans détourner le regard. À long terme, nous espérons que cela apportera de la croissance, mais sur le moment, cela peut être extrêmement désagréable.
Vous avez toujours habité une constellation de labels : synthpop, minimal wave, post-punk, goth, new romantique. Dans quelle mesure vous souciez-vous vraiment de la façon dont les critiques tentent de vous définir ? Et y a-t-il une étiquette qui vous irrite plus que d’autres ?
Aucun label ne nous dérange vraiment — je pense que nous avons eu de la chance : la plupart des gens qui utilisent ces termes précisent généralement que notre musique ne sonne pas comme un simple hommage rétro. Il y a tellement d’éléments qui nous inspirent, et tous ces genres jouent un rôle, mais ce que nous faisons doit ressembler au travail d’un groupe contemporain, pas à une copie de styles passés pour le plaisir du style. Au début j’essayais vraiment de coller au langage synthpop de manière précise, mais depuis les choses ont grandi et évolué. Au final, j’espère que ce sont les chansons qui restent au centre.
« Je ne suis pas prêt pour le changement » est une méditation sur le lâcher prise. Qu’est-ce que vous n’êtes pas prêt à abandonner aujourd’hui, en tant qu’individus et en tant que groupe ?
Je crois que, en tant que groupe et en tant que personnes, nous résistons à la « professionnalisation ». Nous aimons toujours faire les choses nous-mêmes et connaissons chaque étape du processus. À mesure que le groupe grandit, il est tentant de tout simplifier et de tout rationaliser, mais plus vous le faites, plus chaque jour risque de ressentir la même chose – dans le mauvais sens. Un petit exemple : chaque soir, en tournée, nous montons la station synthé de toutes pièces. Pour certains, cela pourrait être une perte de temps ; pour nous, c’est une façon de commencer la journée de travail en construisant quelque chose ensemble et en préparant la scène pour le spectacle.
La scène contemporaine des synthés évolue – toujours plus numérique, toujours plus algorithmique. Quelle est la place de Nation of Language dans cette transition ?
Je pense qu’il n’y a rien de mal à utiliser des outils numériques tels que des synthétiseurs logiciels et des effets pour créer de l’art, mais je n’aime pas l’idée que l’IA et les algorithmes jouent un rôle plus important dans le monde de la musique. En tant que groupe, nous sommes définitivement en dehors de cette transition. Nous disons ici « travailler plus dur, pas plus intelligemment », car nous pensons que l’effort, la friction et le fait de devoir résoudre des problèmes inattendus ont une grande valeur. Le groupe doit être un véhicule de croissance personnelle, pas une fabrique de chansons.
Votre musique se situe constamment à la frontière entre fraîcheur électronique et chaleur émotionnelle. Quelle est la clé pour garantir que la technologie amplifie l’humain au lieu de le filtrer ?
D’une certaine manière, cela vient naturellement, car la musique, dans la plupart des cas, existe principalement pour soutenir les paroles et les mélodies vocales. À chaque étape du processus, nous essayons de nous assurer que l’âme humaine de la chanson est toujours au centre.
Le public italien vous a accueilli avec une affection croissante. Y a-t-il quelque chose qui vous surprend ou vous fascine particulièrement chez le public italien ?
Je ne dirais pas que cela me surprend, mais j’aime voir la passion des fans. Les Italiens sont connus partout comme un peuple passionné, et c’est incroyable de voir cette énergie et cet enthousiasme dirigés vers nous et notre musique. C’est un grand honneur.
Connaissez-vous des chanteurs italiens ? Si oui, lesquels ?
Aidan m’a fait un mix CD au début de notre relation avec le groupe italien Soviet Soviet, donc ils ont une signification particulière pour nous.
Qu’écoutes-tu ces jours-ci ? Y a-t-il un artiste ou un groupe que vous n’arrivez pas à sortir de votre tête ?
Il y a un artiste appelé Avalon Emerson, qui est surtout connu comme DJ de musique dance, mais qui a également un projet appelé Avalon Emerson et le charmedans lequel il explore une approche plus auteur-compositeur-interprète, tout en restant dans le domaine du synthétiseur. Il vient de sortir un single du deuxième album à venir de Charm, donc je l’écoute beaucoup et je redécouvre aussi le premier album.
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