Pendant des années, Paolo, Paolo Antonacci, alias Paolo Santo, a écrit des chansons pour les autres. Les chansons se sont retrouvées au centre de la nouvelle pop italienne, aux côtés de noms comme Annalisa, Tananai, Geolier, Achille Lauro, pour n’en nommer que quelques-uns.
Ensuite, il faut quitter la fonction. Pas d’album producteur rempli d’invités, pas de course au hit chirurgical.
« Paolo Santo Superstar » est un album compact et narratif, plein de personnages, d’images tordues et de coordonnées émotionnelles qui s’intéressent davantage à la construction d’un imaginaire qu’à la fonctionnalité de l’individu. Bologne devient un langage mental, les chansons apparaissent comme des pièces communicantes, l’écriture cesse d’être un métier et redevient une exposition personnelle.
Nous en avons parlé avec lui à partir de ce titre énorme, ironique et en même temps programmatique.
ENTRETIEN
Ça me fait presque peur de vous interviewer ! Dès le titre. « Paolo Santo Superstar » est un titre énorme, provocateur, presque théâtral. D’où vient-il ?
J’ai aimé l’idée d’emprunter le nom d’une œuvre sonore. Ne serait-ce que parce qu’en fin de compte, même un album léger reste une œuvre de l’intellect. Et donc ce contraste m’a intrigué. Bien sûr, il y a aussi une ironie sous-jacente, mais c’est avant tout une déclaration d’intention. C’est comme dire : maintenant tu entres dans mon monde.
J’ai écrit de nombreuses chansons ces dernières années, mais presque toujours pour d’autres. C’est la première fois que je chante vraiment quelque chose qui me semble totalement mien.
Il me fallait donc que le titre ressemble presque à un manifeste. « Paolo Santo Superstar » est mon univers, ma première œuvre, ma petite comédie musicale intérieure. Pas tant au sens narratif classique, mais plutôt en tant que construction d’images. »
Il y a aussi une certaine auto-ironie à l’intérieur.
Oui, absolument. Le terme « superstar » doit également être pris de manière parodique. Mais en même temps, je crois vraiment qu’avoir des idées et être capable de les développer sans compromis, on se sent énorme. Non pas dans le sens égocentrique du terme, mais dans le sens créatif. Quand vous parvenez à construire quelque chose qui vous appartient totalement, cette chose vous donne l’impression d’être gigantesque.»
La couverture semble également aller dans ce sens. C’est très construit, presque cinématographique.
Parce qu’il devait fonctionner comme une fenêtre sur ce monde. Cet album, même si je n’aime pas trop le terme, c’est un peu ma carte de visite. J’avais besoin de créer un espace reconnaissable, un imaginaire où je pourrais me retrouver.
La couverture au début était même un tableau. Nous l’avons créé avec un artiste, puis nous l’avons traité numériquement. Mais l’idée de départ était véritablement picturale. Cela a dû ressembler à un aperçu du cosmos, presque à un diorama. Comme si j’observais un petit univers construit dans ma tête.
A l’intérieur il y a des personnages, des histoires, des détails qui appartiennent aux chansons. C’est une sorte de fenêtre narrative sur le disque.
À l’écoute de l’album, on a le sentiment d’avoir délibérément évité la structure du producteur d’album contemporain. Il n’y a pas de featurettes stratégiques, pas de recherche obsessionnelle du hit.
Écoute, pendant que tu dis ça, je me réjouis vraiment. Parce que c’est exactement ce que je voulais.
Au cours des dernières années, j’ai dû m’arrêter et vraiment découvrir ce que j’aime. Quand on écrit beaucoup de pop, notamment pour d’autres artistes, on risque de passer dans un mode quasi automatique.
Il existe une écriture algorithmique, appelons-la ainsi. La formule. La recherche de la potion magique qui devrait transformer une chanson en tube.
Même si personne ne sait vraiment réussir.Mais je ne voulais pas utiliser de formules ici. Cela aurait été une trahison de l’idée originale du disque. Ce projet devait parler de moi en tant que créateur, pas de mon métier d’auteur. Ce sont deux choses différentes. »
En fait, on perçoit un rejet très clair du compromis radio.
Parce qu’avant même de me demander si un morceau pouvait fonctionner à la radio, il fallait comprendre s’il s’agissait vraiment de moi. Dans la vie des individus, j’en ai écrit beaucoup. Mais ici, je ne voulais pas construire des chansons qui fonctionneraient séparément. Je voulais construire un monde unique.
C’est pour cela que l’album sort en bloc. Parce que ces sept chansons prennent tout leur sens comme un voyage compact. Les premières pièces que j’ai publiées étaient presque des expérimentations, nées du besoin de faire entendre ma voix. Ceci est cependant beaucoup plus réfléchi. Il est moins impulsif, moins téméraire. »
En écoutant vos premières chansons, « L’Età dell’Oro » ou « Lei », on a presque l’impression d’écouter un autre artiste.
Parce que je l’étais probablement. Ou plutôt, j’étais encore dans une phase où j’essayais de comprendre où me situer. Lorsque vous passez des années à construire des mondes pour les autres, vous risquez également de perdre votre centre.
À un moment donné, j’ai réalisé que sortir des singles un par un n’était pas suffisant pour réellement ouvrir un dialogue avec l’auditeur. Je sentais que je n’avais pas le temps de me le dire. Mais cet album trouve son sens justement dans sa globalité. »
Bologne est presque un personnage du disque.
Oui, parce que pour moi Bologne coïncide avec le lieu où j’ai appris à imaginer. J’y ai grandi et forcément mes rêves parlent cette langue.
Quand je rêve, je rêve de Bologne. Peut-être transformé, peut-être transfiguré, peut-être empli de scénographies différentes. Mais le paysage émotionnel reste toujours le même. Ce disque s’écrit entièrement entre les murs du rêve.»
Les « spaghettis bolognaises » semblent être le point où cette imagerie explose définitivement.
Je dis toujours que c’est la chanson dans laquelle j’aimerais vivre. Lorsque ce premier dialogue commence, j’entre immédiatement dans ce monde. C’est une sorte de réalité parallèle où tout a une logique différente.
Musicalement, l’album comporte de nombreuses références aux années 90, mais sans jamais devenir un revival. Quelle était l’importance des références ?
Les références sont toujours importantes, mais j’ai du mal à les citer ouvertement car j’ai toujours peur du lèse-majesté. Mais je peux dire une chose : je ne manque jamais de goût.
Même si dans ma vie je passe continuellement d’un projet à l’autre de manière presque schizophrène, ici tout a été pensé pour s’inscrire dans un même récit. En studio avec Simonetta et Placido, nous avons construit les pièces exactement comme j’aurais aimé les entendre.
De la structure aux arrangements, tout devait appartenir au même univers sonore. Je considère que c’est un disque très organique. »
Pourtant chaque pièce possède une identité très forte.
Car le fil conducteur, c’est la voix. Et la voix n’est pas seulement un moyen narratif : elle est en réalité un son. Je voulais enfin entendre ma voix dans des chansons vraiment conçues pour moi.
Il y a eu un travail très précis sur les timbres, sur les sons, sur la manière dont la voix devait s’insérer dans la production.»
« Zombie » est l’une de mes chansons préférées, peut-être la pièce la plus émotionnellement exposée de l’album.
Oui, sans doute parce que la production là-bas me parle beaucoup. Ce n’est pas simplement un support pour la chanson. C’est presque un personnage supplémentaire.
Ensuite, c’est une pièce très autobiographique, même si je ne m’en suis rendu compte qu’après l’avoir écrite.»
Est-il vrai qu’il est né dans une église désacralisée ?
Oui, dans une église désacralisée de la via Orfeo, à Bologne. Nous avions cet instrumental et la chanson est sortie presque immédiatement. Au début, je pensais que je racontais n’importe quelle histoire, mais ensuite j’ai réalisé qu’il y avait bien plus en moi que ce que je pensais. »
Avez-vous fait écouter l’album aux artistes avec lesquels vous travaillez ? Annalisa, Tananai, ton père…
À très peu. Certains occupent une place particulière dans ma vie et ont donc entendu quelque chose à l’avance. Mais beaucoup de gens découvriront que je fais un disque quand il sera annoncé.
J’avais besoin de disparaître un peu. Pour se désintoxiquer également du jugement des autres.
Je crois qu’être continuellement immergé dans la dynamique du marché risque parfois de vous faire perdre le contact avec vous-même.Moi, en revanche, j’avais besoin de retrouver Paolo. Et peut-être que tout le sens de « Paolo Santo Superstar » est là.»
PISTE PAR PISTE
« Paolo Santo Superstar » se développe comme une œuvre en sept mouvements, un voyage émotionnel et visionnaire dans lequel chaque pièce représente un fragment du micromonde construit par l’artiste. Entre autobiographie, allégorie et imagerie cinématographique, l’album traverse les désirs, les relations, les illusions et les chutes, en gardant toujours un regard profondément personnel sur le monde.
Spaghettis à la bolognaise
Il ouvre l’album comme une ouverture : l’entrée dans un monde possible, là où Paolo Santo aimerait vraiment vivre. Bologne devient une ville imaginée et sentimentale, suspendue entre histoires d’amour, académies d’art et papillons qui traversent les pièces. C’est une déclaration d’intention qui introduit tout l’univers de l’album : une fenêtre ouverte sur le monde de l’artiste, observé avec désir et mélancolie.
La crise après les Trois
Il raconte une histoire fragmentée, presque comme un film fait d’images brisées. Au centre de la chanson se trouve une trahison survenue lors de vacances à la plage avec des amis, mais l’histoire se transforme rapidement en une allégorie plus large. L’« holocauste vanille » évoqué dans le texte mêle tragédie et douceur, mettant en scène des drames émotionnels qui paraissent énormes mais qui, confrontés à la réalité, révèlent toute leur fragilité.
Le désir
L’album entre ici sur le territoire de l’amour adolescent : tendre, instinctif et forcément cruel. La chanson raconte la naissance d’un sentiment lors d’une fête, restituant cette innocence impulsive dans laquelle désir et férocité cohabitent sans contradictions.
Tour de Babel
La pièce aborde le thème de l’incommunicabilité. Deux âmes tentent continuellement de se rapprocher sans vraiment parvenir à se comprendre, transformant chaque dialogue en une nouvelle distance. La référence biblique devient ainsi la métaphore d’une relation vouée à se fissurer sous le poids de l’incompréhension. Mais au sein de la chanson survit aussi une tension vers la réconciliation : la recherche obstinée d’une nouvelle langue pour enfin pouvoir se retrouver.
Le grand incendie de la Via Rialto
L’album atteint alors son manifeste poétique et conceptuel. Inspirée par l’imagerie de l’incendie des vanités, la chanson transporte ce feu symbolique dans la Bologne contemporaine, transformant la Via Rialto au centre d’une vision presque provocatrice. Ici émerge le cœur ambigu du concept de « superstar » : une exaltation qui oscille continuellement entre ironie, désir de grandeur et autodestruction. La chanson met en valeur la vanité et le besoin de reconnaissance, se demandant ce que signifie réellement se sentir spécial dans un monde qui semble vous ignorer.
Zombi
La pièce est née dans une église désacralisée de Bologne et se développe comme un renversement continu de perspective. Au départ, il semble raconter l’histoire d’une figure féminine dévastée et inaccessible, mais progressivement le récit s’inverse : le « zombie » est le protagoniste lui-même. La production assume un rôle central, communiquant avec la voix jusqu’à son explosion finale, l’un des sommets émotionnels de tout l’album.
C’est une maniaque
Une « chanson d’amour de sexe spatial » qui clôt l’opéra et qui entremêle amour, comédie et tragédie dans une succession d’images cinématographiques, culminant dans un refrain poignant. Musicalement, la chanson s’inspire de certaines atmosphères du meilleur pop art italien, en s’inspirant de Luca Carboni, puis s’ouvre sur une finale à cordes qui accompagne la sortie définitive du monde du disco. C’est le moment où tombe le masque du narrateur : le morceau le plus intime, fragile et émotionnellement découvert de « PAOLO SANTO SUPERSTAR ».
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