Lloyd a reconnu le talent de Jarrett et a été assez perspicace pour savoir qu’il devait se livrer aux caprices créatifs du jeune pianiste pour le garder dans le groupe. Il a donné à Jarrett suffisamment d’espace pour construire des solos en direct, et le groupe a joué une poignée de ses compositions aux côtés de Lloyd’s. Sur des morceaux de Jarrett comme l’entrainant gospel jam « Sunday Morning » de Aimerdes éléments distinctifs qui surgiraient régulièrement dans son travail solo dans la décennie suivante – des grooves funky de la main gauche associés à des pistes de la main droite sonnantes, mélodiques et instantanément mémorables – sont facilement identifiables.
Lloyd, qui deviendra plus tard un adepte de la méditation transcendantale, a également marqué la spiritualité de Jarrett, le tournant vers le travail du mystique du début du XXe siècle, George Gurdjieff. Outre son écriture, Gurdjieff a composé des hymnes pour piano, et Jarrett finira par en couper un album pour une sortie par ECM en 1980. À cette époque, les enregistrements de ses concerts solo, en particulier ceux de 1975 Le concert de Colognequi est devenu disque d’or, avait connu un tel succès qu’il pouvait enregistrer tout ce qu’il voulait.
Mais c’était plus tard. Alors que Jarrett travaillait encore avec Lloyd, lui et DeJohnette ont attiré l’attention de Miles Davis, qui surfait sur une vague d’adulation et de controverse après Breuvage de chiennes et mettait sur pied un groupe pour emmener sa nouvelle vision du jazz sur la route. Jarrett était résistant à l’idée d’instruments électriques, mais après avoir joué avec le groupe en 1969, il a rapidement changé de ton, et lui et DeJohnette étaient dans le groupe et enregistrés au moment d’octobre 1970. Miles Davis à Fillmore. Alors que Jarrett était dans le groupe de Davis, Eicher a écrit pour lui demander s’il enregistrerait pour son nouveau label, ECM. Là où Miles expérimentait la densité – plus de claviers, plus de percussions, plus d’électrification – le label d’Eichner, incarné par sa célèbre devise, avait une philosophie différente : « le plus beau son après le silence ».
Le jazz évoluait rapidement à la fin des années 60 et au début des années 70, et selon certaines mesures, il était en difficulté. Le rock et la soul étaient en plein essor dans la culture des jeunes, les labels de jazz étaient en difficulté et les clubs fermaient. Pour s’adapter, de nombreux artistes, suivant l’exemple de Davis, incorporaient des rythmes et des instruments rock dans leur musique, et la fusion développerait un public sain dans la première moitié des années 70.
Mais les labels s’adaptent aussi aux pressions du marché en sortant des disques qui n’ont de sens que dans un contexte jazz. L’avant-garde post-free-jazz était bien établie et s’est épanouie sur de plus petites marques et dans des communautés comme la scène des lofts à New York. Il a même fait des percées chez les majors, comme avec les sorties d’Anthony Braxton, du Revolutionary Ensemble et de l’Art Ensemble of Chicago sur Arista, la ramification A&M Horizon et Atlantic.
