Quatre ans plus tard, Beasley continue d’explorer les possibilités de collaboration de l’installation. Son premier album, un double LP également intitulé Une vue d’un paysage, rassemble des artistes de ses premières performances de Whitney, ainsi qu’un vaste réseau de poètes, de musiciens et d’interprètes qui comprend L’Rain, Laurel Halo, Kelsey Lu, Moor Mother et Jason Moran. « Je voulais que tous les artistes réfléchissent aux questions entourant le son du moteur, son histoire et comment on pouvait générer une expérience sonore avec lui », a-t-il écrit dans un communiqué. Associé à une monographie de 300 pages contenant des essais, des photos et d’autres documents, le projet multimédia est à la fois un regard rétrospectif sur la carrière de Beasley à ce jour et un effort conscient pour recadrer sa pratique en termes de communauté qu’elle encourage.
L’album s’ouvre doucement avec un bourdonnement métallique retentissant, suivi de la voix de Fred Moten. Le poète, critique et théoricien a consacré des décennies à écrire sur les traumatismes persistants de l’histoire, et ici, Moten revient sur une pièce qui figurait également sur son album de jazz de 2022 avec le bassiste Brandon López et le batteur Gerald Cleaver, plaçant le poème existant en dialogue. avec le travail de Beasley. « Tout ce sang est le moteur », dit-il. « Est-ce que ce gin est un ordinateur? » En amenant Moten/López/Cleavertitre de clôture de son propre album, Beasley suggère une continuité entre les deux projets qui va plus loin que le chevauchement thématique. Environ deux minutes plus tard, une grosse caisse stérile entre au rythme d’un rythme cardiaque lent alors que le drone mécanique bruyant s’intensifie et que les boucles de percussions industrielles se synchronisent et se désynchronisent. La pièce ouvre la voie à une série de collaborations qui situent le matériau source de Beasley dans de nouveaux environnements, plongeant plus loin dans les paysages sonores déchirants qui définissent sa pratique artistique avec rigueur et grâce.
Une grande partie de l’album est modérée et instrumentale, avec des patchs ambiants apaisants ponctués de moments de tension concentrée. Sur « Resin », la compositrice et productrice Laurel Halo considère les qualités texturales des sons simples de synthé et d’orgue, dissociant chaque élément de l’instrument d’origine pour construire un assemblage organique rappelant son album de 2018. Soie brute Bois non coupé. Des morceaux de L’Rain et Kelsey Lu superposent des claviers en boucle sur un bruit de grondement probablement tiré de l’installation de Beasley, pliant et modifiant la hauteur de l’audio comme n’importe quel autre son de l’album. Vers la fin des « Lignes » de Lu, les coups de pied percutants et les pépiements de synthé sont dépassés par un arrangement de cordes nouées qui mène à « Face the Rock », la seule contribution du compositeur et pianiste de jazz Jason Moran. Un bruit aigu jaillit de derrière un mur de lignes de piano soigneusement arrangées qui s’inspirent du minimalisme, de la composition de films impressionnistes et du free jazz. C’est un moment remarquable dans lequel le rythme mécanique bouillonnant présent sur l’album se sent non seulement atmosphérique, mais aussi essentiel que tout autre élément.
