MBW Views est une série d'OP / Eds exclusifs d'éminents gens de l'industrie musicale… avec quelque chose à dire. L'OP / ED suivant vient de Ran Geffen Levy le fondateur d'Og.Studio, une plate-forme qui prétend être «l'évolution de l'industrie musicale, l'innovation technologique et l'investissement en capital». Il est également le PDG d'Amusica Song Management.
Lors des Ivor Novello Awards de cette année, Charli XCX a accepté «l'auteur-compositeur de l'année» sans mentionner une seule fois l'intelligence artificielle. Pourtant, son message: «osez-vous sucer» pourrait être la direction la plus claire que nous ayons pour prospérer à l'époque de l'IA.
Elle a rappelé à la salle que la conviction compte plus que la perfection; Cette identité, ce point de vue et le contexte culturel élèvent une chanson au-delà de la qualité technique. Son conseil était simple: faire ce que vous voulez entendre, pas ce qu'un A&R demande; Écrivez pour la niche, pas pour les masses; Embrassez votre propre langue, aussi étrange ou imparfaite, suivez votre ambiance. En bref: s'engager dans le bit.
C'est précisément ce que les créateurs du coucher du soleil en velours et des aventhis ont fait. Ils ont pris une idée – qu'il s'agisse de construire une «provocation» entièrement synthétique (le coucher du soleil en velours) ou de jumeler des voix générées par l'AI avec des paroles écrites par l'homme (Aventhis) – et l'a transformée en musique avec une identité distincte. Ils ne poursuivaient pas l'approbation de l'industrie; Ils poursuivaient une idée qui valait la peine d'être fait.
Leur conviction, et non leur conformité, a fait ressortir ces projets. Et cela mène à la question au cœur de ce moment:
Qui s'appelle un auteur-compositeur?
Quand j'étais enfant, j'ai visité mon oncle Dov sur un kibboutz. Il était un photographe amateur qui a développé un film dans une chambre noire qu'il avait installée dans un vieux refuge de bombes. Je l'ai regardé déplacer des imprimés de bain à l'autre, les suspendus pour sécher. C'était sacré. Ce ne sont pas les produits chimiques ou la technique qui l'ont fait de l'art; C'était son intention. Je voulais être comme lui, mais je manquais des outils, de la formation, de l'œil. Pourtant, le désir est resté.
Des années plus tard, la photographie est devenue numérique. La chambre noire est devenue une application. Je suis devenu un photographe amateur. L'écriture de chansons connaît la même transformation.
Les auteurs-compositeurs d'aujourd'hui ne lisent pas toujours la musique ou ne jouent pas d'instruments traditionnels. Ils fredonnent des mémos vocaux, écrivent des paroles sur les téléphones et collaborent avec l'IA. Lorsque le désir est présent, la méthode devient secondaire.
La série remarquable de l'ex-puritain After Thoughts sur un mois de critique de composition, édité par Daniel Kincade Renton, offre une réflexion essentielle pour ce moment. Les contributeurs cadrent l'écriture de chansons non pas comme une synthèse de la poésie et de la musique, mais comme la simultanéité de la voix, de la forme, du sentiment et de l'intention qui se produisent à la fois. Si le métier lui-même résiste à une définition claire, pourquoi insistez-nous à définir qui est qualifié?
Renton a appelé à une «surpopulation» de nos cadres critiques: plus d'analogies, plus de disciplines, plus de voix. Je suis d'accord. Le terme auteur-compositeur devrait s'étirer. Il devrait inclure non seulement les formés, mais aussi l'instinctive, l'expérimental, les autodidactes.
Alors, qui s'appelle un auteur-compositeur? À mon avis, la seule exigence d'être un auteur-compositeur est le désir d'écrire des chansons.
Cette démocratisation n'est pas théorique, elle se produit déjà. Tout comme le codage d'ambiance permet des licornes d'une seule personne dans la technologie, où un développeur peut construire ce qui a nécessité des équipes entières, la même transformation arrive à l'écriture de chansons. Appelez-le «Vibe Songwriting».
Qu'est-ce que la composition de l'ambiance?
Harlan Howard a déclaré que la musique country est «trois accords et la vérité». Le point n'était pas un minimalisme pour lui-même; C'était une conviction. VIBE L'écriture de chansons prend cet esprit dans le présent: commencez par le sentiment, puis utilisez les outils dont vous avez besoin pour faire en sorte que ces accords (littéraux ou métaphoriques) se sentent vrai. Osez sucer.
Dans la pratique, une étincelle, une humeur, un fragment, une texture vient en premier. Vous le façonnez en quelque chose de reconnaissable et mémorable en utilisant les outils accessibles d'aujourd'hui. La technologie ne remplace pas le goût; Il élimine la friction pour que le goût puisse diriger.
Le projet de Rick Rubin The Way of Code, une collaboration avec Anthropic, est une méditation sur le codage de l'ambiance, en s'appuyant sur Tao Te Ching de Lao Tzu, et est conçu pour rendre le codage intuitif et expressif. Rubin décrit le codage d'ambiance comme le «punk rock du logiciel», une méthode qui commence par l'intuition plutôt que les règles. Selon ses mots: « L'ordinateur est un autre outil. C'est comme une guitare ou un échantillonneur; c'est un autre outil dans l'arsenal de l'artiste. La raison pour laquelle nous allons aux artistes auxquels nous allons ou aux écrivains auxquels nous allons ou aux cinéastes que nous allons, c'est pour leur point de vue. »
Son approche de faire confiance à l'intuition plutôt qu'à la technique, à la priorisation de l'expression authentique sur les exigences du marché, se traduit parfaitement dans l'écriture de chansons. Comme il l'a expliqué dans l'émission Ben & Marc de A16Z, « Vous faites votre truc préféré, vous en êtes amoureux, puis d'autres personnes qui aiment les choses que vous aimez l'aimeront. »
Il ne s'agit pas de remplacer la créativité humaine mais de supprimer les barrières techniques. Un poète peut désormais créer des chansons sans apprendre du piano. Un conteur peut créer des paysages sonores sans comprendre les tableaux de mixage. Les outils ont évolué pour servir le désir, et non le contraindre.
Ce qui nous amène au modèle commercial qui rend cela durable.
Qu'est-ce que la création de grappes?
Il y a quatre mois, j'ai écrit sur Cluster Creation, un modèle commercial pour les auteurs-compositeurs à l'ère AI. La prémisse était simple: au lieu de des camps d'écriture tentaculaires où une douzaine de noms obtiennent un ruban de propriété, nous formons des grappes serrées et complémentaires qui se déplacent plus rapidement, conservons plus de tarte et nous adaptons avec fluidité à de nouveaux outils.
Le coucher du soleil en velours et les aventhis ne sont que le début. Ces formations sont sur le point de champignons. L'industrie les rejette comme des curiosités, des expériences secondaires en dehors de la «vraie» entreprise. Je les vois différemment: Windows dans ce qui vient ensuite. Ils prouvent que le contrôle créatif n'a plus besoin d'infrastructure d'une étiquette ou même de co-écrivain dans la salle.
Mais pour vraiment capturer cette opportunité, les grappes doivent posséder plus que la chanson.
Posséder la pile
L'auteur-compositeur de demain peut devenir un créateur de la Renaissance: construire des équipes multidisciplinaires ou tout créer avec l'aide de l'IA. Tout comme une personne peut construire une licorne technologique, un auteur-compositeur peut créer des actifs commercialement viables dans tous les formats.
Timbaland l'a compris quand il a lancé la scène Zero et a présenté Tata, son premier artiste d'IA. Il ne libère pas seulement ses battements aux plates-formes d'IA; Il construit son infrastructure, contrôlant l'ensemble du pipeline créatif de la connaissance de la production à la distribution. Tata n'est pas simplement une expérience d'IA; C'est le Timbaland qui possède toute la pile: les données de formation (ses décennies d'expertise en production), l'identité des artistes, la production et, surtout, tout, du streaming à la marchandise. Oui, les marchandises: le royaume traditionnellement le plus éloigné de la portée d'un auteur-compositeur.
Il s'agit du passage de la licence passive à la propriété active. Un cluster est une formation centrée sur le projet qui évolue en fonction des besoins créatifs: fluide, axé sur l'objectif et adaptable. Chaque créateur apporte une expertise spécialisée, améliorée par les outils d'IA qu'ils contrôlent. Ensemble, ils possèdent tout, pas seulement la chanson, mais toute la sortie créative.
Au lieu de diviser les sous en streaming diminuant parmi six écrivains, trois créateurs d'un cluster possèdent entièrement plusieurs sources de revenus: droits de composition, exploitation maîtresse, IP visuel, licence de voix synthétique, données de formation AI et formats émergents, nous ne pouvons pas encore imaginer. Alors que les auteurs-compositeurs traditionnels se battent pour leur ruban de revenus, les clusters bien structurés capturent la valeur de chaque format et plate-forme.
La technologie permettant cette transformation existe aujourd'hui. La question est de savoir qui l'utilisera d'abord: les plates-formes extraient la valeur des créateurs ou des créateurs eux-mêmes?
L'histoire fournit la réponse. Des Rolls de piano en 1908 à la streaming aujourd'hui, les auteurs-compositeurs ont vu les autres devenir riches de leur travail. Chaque changement technologique promet d'équité; Chacun a livré de nouvelles façons de les exploiter.
Ce modèle se termine maintenant. Les outils sont là. Les grappes se forment. Le choix est binaire: continuez à mendier des restes d'un système conçu pour mourir de faim ou construire quelque chose qu'ils ne peuvent pas contrôler.
En trois mots: ne mendiez pas. Construire.
Autonomie radicale
Chez Burning Man, les camps se forment autour de thèmes partagés: constructeurs, fabricants, artistes unis, chacun apportant leur cadeau unique pour créer des écosystèmes autonomes. Ils ne comptent pas sur des infrastructures externes; Ils construisent ce qui est nécessaire. C'est une autonomie radicale: pas l'isolement, mais l'interdépendance par la collaboration.
Les auteurs-compositeurs doivent l'embrasser maintenant. Personne ne vient nous sauver. Aucune partie prenante ne partagera volontairement plus de revenus. L'écriture de chansons 2.0 signifie des grappes dirigées par des créateurs en pleine propriété, où de petites équipes agiles produisent un travail authentique soutenu par un droit d'auteur clair et une monétisation durable. La propriété l'emporte sur les licences.
Ceci est un changement sismique. Il exige que les gestionnaires passent des pourcentages de négociation à la construction d'écosystèmes créatifs, que les organisations de défense des droits réinventent leur rôle pour les collaborations multi-format IP et fluides. (Je vais m'attaquer à cela dans ma prochaine pièce.)
Oui, le marché traditionnel persiste. Mais regardez où va l'argent intelligent. Lorsque le Timbaland construit le stade zéro, lorsque des créateurs indépendants forment des grappes au lieu de rejoindre des camps d'écriture, lorsque l'IA démocratise des studios à million de livres, ils ne s'adaptent pas au changement. Ils écrivent les règles. L'ancien modèle n'exploite pas seulement les auteurs-compositeurs; Il laisse de l'argent sur la table. Les clusters capturent cette valeur. Tout cela.
Chez Burning Man, ils disent: «Nous réalisons l'être à faire.» L'avenir de l'écriture de chansons n'est pas quelque chose qui nous arrive. C'est un monde que nous allons construire ensemble, un cluster à la fois.
Le changement est une traînée de poudre. Nous bougeons ou nous brûlons.
Avertissement: J'écris des nouvelles depuis l'âge de onze ans. J'ai travaillé comme journaliste, puis j'ai déménagé dans l'industrie musicale. J'adore écrire. J'utilise l'IA comme outil et je l'adore. Cela me défie, cela m'aide à évoluer. Alors que l'idée derrière Songwriting 2.0 était entièrement la mienne, j'ai utilisé des outils d'IA pour la recherche, la clarté et les punchlines. Soit dit en passant – (ce tableau de bord EM est à moi) Je paie les frais d'abonnement à trois d'entre eux. Ils devraient le partager avec les personnes qui ont créé leurs ensembles de données.
