Les sons associés aux espaces de résistance noire sont assemblés avec la précision d’un neurochirurgien. Dans « Runaway », Roberta Sweed, de Détroit, chante de courtes phrases avec sa voix de baryton comme un pasteur prononçant un sermon, et les coups chaleureux du piano électronique lui donnent encore plus une sensation d'église. Les lignes de saxophone de Norma Jean Bell résonnent de loin, comme si le club de jazz se trouvait juste à côté ; de même, la maison à quatre étages pompe à travers le devant du mix, évoquant un environnement de club. Tous ces fils s’articulent naturellement et témoignent de la manière dont les genres musicaux noirs s’informent les uns les autres. Les juxtapositions réimaginent les espaces publics noirs comme des écosystèmes autonomes auxquels les gens donnent et reçoivent, des centres qui donnent la priorité à de nouvelles façons d’apprendre et de se sentir en dehors de l’emprise paralysante de l’hégémonie blanche.
Tout au long du disque, Moodymann évoque de profonds sentiments d’excès sexuel. Les « Oohs » et les « ahhs » et une douceur haletant due à la répétition et aux mélanges chaleureux donnent lieu à une excitation à la fois consciente de soi et humoristique. Les samples gémissants de « Roberta Jean Machine » sont exagérés, voire inconfortables, mais lorsqu'ils interagissent avec les glissandi et pads angéliques de la harpe, ils sont moins pornographiques que spirituels. On dirait que la musique agit sur ces gens d'une manière qui ne semble pas facilement reconnaissable, ce qui suggère qu'attraper le Saint-Esprit peut être aussi ravissant que de jouir sur la piste de danse. Sur le simple « Riley's Song », un cri de « Eoowwwww ! fait écho à l'atmosphère envoûtante créée par les touches oscillantes et les grandes poches d'espace. Même sur le morceau le plus sombre de l'album, ce moment rend les choses chaudes et torrides, Moodymann abandonnant sa haute énergie habituelle pour sa vision ludique et érotique d'une danse lente.
Acajou noir se situe entre son utilité en tant que collection de chansons de danse et sa portée en tant que livre de contes – une qualité qui le rend intemporel. « Mahogani 9000 », l'avant-dernier morceau, s'ouvre sur un extrait de Blaxploitation d'une femme expliquant que les Blancs du centre-ville de Détroit sont une « minorité de 1 à 9 », et finit par entrer et sortir de quatre grooves différents, incorporant des échantillons noirs plus culturels (comme Curtis Mayfield criant à plusieurs reprises « Je suis ce négro! ») et échantillonnant d'autres morceaux de l'album contre des percussions saccadées et des coups de guitare à la Milles des années 70. Ces changements de groove rapides et brutaux ressemblent à des infractions à une structure de house traditionnelle où le rythme d'un seul morceau devrait durer un certain temps, mais c'est précisément le point. « Mahogani 9000 » utilise divers modèles de batterie pour le situer dans le contexte d'un décor de danse de Détroit de son époque, et manipule son environnement malléable via des échantillons pour engendrer davantage de possibilités de commentaires sociopolitiques. Les rythmes incessants et addictifs se laissent aller dans le club, mais le sous-texte pourrait passer à travers quand on est en sueur et noyé sous les gin-tonics. Il s'agit d'une œuvre active qui demande mais ne sollicite pas la participation du public, nous permettant de la rencontrer là où nous le souhaitons : une ethnographie suffisamment évocatrice pour danser et suffisamment personnelle pour exhaler le véritable amour de Moodymann pour sa ville.
