D’après leurs titres…Délivrance et Damnation– tu devinerais probablement Damnation était le plus lourd. Alors que Délivrance suit plus ou moins les traces de Parc de l’eau noire, Damnation explore un nouveau royaume étrange pour le groupe, découvrant quelque chose d’encore plus sombre. Finis les suites étendues en plusieurs parties et les entraînements complexes à la guitare, remplacés par des mélodies légères et tendres englouties dans un vide saisissant. Les claviers de Wilson se cachent à chaque coin de rue, invoquant des vues plus claustrophobes que tentaculaires. Åkerfeldt chante comme s’il était pris au piège d’un au revoir sans fin, soupirant à propos du ciel éclairé par la lune, des visages regardés à travers les fenêtres, des vieilles photographies, des « cicatrices secrètes qui recouvrent la peau ». Dans les premiers moments morbides de « To Rid the Disease », il murmure : « Il n’y a personne ici/Il n’y a personne à proximité/J’essaie de m’en moquer/Les yeux morts me fixent toujours. » C’est un disque solitaire et solitaire, balayant la théâtralité d’Opeth pour révéler les spectres en dessous.
Entouré de la banque de Mellotrons MIDI de Wilson, le groupe avait pour objectif de se rapprocher le plus possible de la recréation du monde de leurs idoles des années 70. Mais quelque chose ne va pas. Outre les clés susmentionnées, Damnation ça ne ressemble pas vraiment à du prog. Le mix est trop net et moderne, les chansons trop courtes, les méthodes de prestation d’Åkerfeldt trop précises. Peut-être que cela pourrait passer pour une exploration tout au long de l’album des deux premières minutes de « Moonchild » ou, si vous plissez les yeux, des morceaux les plus froids de Camel’s. L’Oie des neiges. À vrai dire, le groupe se rapproche beaucoup plus du slowcore fané de groupes comme Red House Painters, misérables et intimes et distinctement influencés par les années 90.
Dans le cas d’Opeth, cela se manifeste par un côté sale et couvant. Le métal rampe autour des marges, comme sur l’ouverture « Windowpane », où le groupe retourne un riff 6/4 dégringolant, tenant une 9ème supplémentaire enfumée sur l’accord qui donne à l’ensemble une couche supplémentaire de tension. Bien que la chanson soit fortement acoustique, ses solos de guitare déformés proviennent carrément du royaume du rock plus dur, et les chœurs artificiels qui s’infiltrent vers la fin semblent appeler les citadelles symphoniques des black metallers norvégiens.
Même comparé aux moments plus calmes de leurs albums précédents, l’écriture des chansons sur Damnation est particulièrement creuse. Sur le riff central de « In My Time of Need », Åkerfeldt ne tient que deux frettes enfoncées, pinçant le reste de l’accord sur des cordes à vide et laissant leurs notes smog se répercuter vaguement les unes sur les autres. « Ending Credits » passe d’un instrument simple à une harmonie de double guitare pleurante à la fin de la chanson, et « Hope Leaves », l’un des sommets de l’album, se déroule d’un doigté feutré dans un bain luminescent de touches aux tons de cloche, captant un groove étonnamment discret. Le batteur Martin Lopez et le bassiste Martín Méndez (tous deux d’origine uruguayenne) élargissent la section rythmique du groupe au-delà des blastbeats aggro dans des directions plus subtiles, guidant « Windowpane » à travers un jam de section médiane étroitement contrôlé et flottant, et construisant progressivement « Closure » dans une outro dissonante superposée au tamboril uruguayen.
À l’époque, Åkerfeldt affirmait que DamnationL’écart du metal avec le groupe serait ponctuel pour le groupe, mais il lui a fallu seulement quelques albums pour qu’il abandonne complètement sa voix dure et oriente Opeth vers le culte du prog à part entière qu’ils avaient toujours menacé. Même si ces albums ultérieurs incluaient le genre d’arrangements complexes et noueux attendus du genre, aucun d’entre eux ne se rapprocherait de la résonance émotionnelle qu’ils ont obtenue sur Damnation. Les points culminants de ce disque ne se présentent jamais sous la forme d’un pont d’orgue d’église ravissant ou d’une longue panique de jazz, mais se matérialisent plutôt dans des tons plus nuancés, comme les basses cordes acoustiques qui imprègnent le refrain de « In My Time of Need » d’une terreur épique, ou les pianos de Wilson sur « To Rid the Disease », qui flottent jusqu’à la fin de la chanson comme des feuilles mourantes. Pour un groupe connu pour intégrer autant d’idées que possible dans ses chansons, il est frappant de les entendre écrire avec autant de franchise, de se concentrer avant tout sur les sentiments.
