Animal Collective: Spirit They’re Gone, Spirit They’ve Vanished (Remasterisé 2023) Critique d’album

Vous connaissez probablement l’histoire d’Animal Collective, le groupe qui a commencé à faire des jams de noise électro-acoustique avec beaucoup de babillages et de cris, a progressivement appris à tirer des mélodies et des structures de chansons de la boue irisée, et est finalement devenu des stars indie-rock. Esprit ils sont partis, esprit ils ont disparu, auto-publié dans une petite édition de CD par le duo de Dave « Avey Tare » Portner et Noah « Panda Bear » Lennox en 2000, et maintenant remasterisé et publié aux côtés d’un EP de morceaux inédits de la même période, ne correspond tout à fait à ce récit bien rangé. Les débuts de facto d’Animal Collective sont un album beaucoup plus délibéré, ambitieux et même sophistiqué qu’un auditeur qui parcourt son catalogue pourrait s’y attendre, compte tenu de la musique qui a suivi peu de temps après.

Les goûts de 2001 Lamantin de danse et 2003 Voici l’indien (plus tard renommé Arche) peut donner l’impression que le groupe dans ses premières années était principalement motivé par l’intuition et l’enthousiasme, invoquant tout le racket extatique que ses outils et sa compétence limités lui permettaient. Mais comme c’est souvent le cas avec les artistes qui sont étiquetés d’outsiders ou de savants enfantins, il semble au moins aussi probable qu’ils aient cultivé exprès leur sensibilité primitive, parce qu’ils s’intéressaient à ses possibilités expressives et esthétiques. Revisiter Esprit ils sont partis deux décennies et une dizaine d’albums plus tard, il est clair qu’Animal Collective n’était pas une bande de naïfs qui endossaient des noms idiots, tournaient quelques boutons sur leurs SP-404 et atterris vertigineusement dans l’avant-garde art-pop. Dès le début, ils savaient ce qu’ils faisaient.

La version ultérieure d’Animal Collective qui Esprit ils sont partis ressemble le plus à 2005 Se sent, en ce sens qu’il s’agit plus ou moins d’un album rock, quoique très idiosyncratique. Portner et Lennox l’ont enregistré chez les parents de Portner, alors qu’ils n’avaient pas encore atteint l’âge de boire, avec le futur coéquipier Josh « Deakin » Dibb. Portner a chanté et joué de la guitare, du piano et de divers appareils électroniques; Lennox jouait de la batterie. Les chansons sont longues et élaborées, avec une dynamique dramatique et des changements rythmiques, plus comme du rock progressif que toute autre chose dans leur catalogue. Les paroles de Portner reflètent l’enfance et regardent avec appréhension vers ce qui vient ensuite, rendant le voyage de l’adolescent dans des images dignes d’un conte de fées.

L’histoire raconte que Portner avait initialement envisagé de faire une sortie en solo, mais a été tellement ému par les contributions de Lennox qu’il lui a donné une co-facturation. Il est facile de comprendre pourquoi. Les parties de batterie de Lennox sont aussi importantes pour l’atmosphère étrange de l’album que la voix de Portner. Ils sonnent souvent comme les remplissages que la plupart des batteurs de rock utilisent pour ponctuer une section ou passer de l’une à l’autre, dégringolant sur les toms et les cymbales pour créer de la tension avant de se verrouiller dans le rythme. Mais Lennox ne les a pas utilisés de cette façon. Au lieu de cela, il a répété ces séquences ornées encore et encore, de sorte qu’une chanson entière de six minutes puisse vivre dans le moment transitoire d’un remplissage de batterie, pour toujours sur son chemin. C’est une technique appropriée pour un album tellement axé sur le passage du temps.