Non seulement l'auteur-compositeur, musicien et narrateur de Sound Worlds: Lorenzo Urciullo – alias Colapesce – ouvre son regard visuel au public avec Double utilisation uniquePremière exposition personnelle à la Patricia Armocida Gallery à Milan.
Deux cents tirs sélectionnés par une archive privée de dix ans constituent une histoire silencieuse mais éloquente, entre des chambres d'hôtel pleines de mémoire, des intérieurs familiaux et des détails siciliens qui semblent chuchoter des histoires oubliées.
Un voyage à travers des images qui, plutôt que de documenter, se compose. Nous l'avons rencontré pour parler de la photographie en tant qu'écriture, d'intimité qui est exposée et de la relation profonde entre l'image et le son.
Voici l'interview publiée pour Hesthetika à Lorenzo.
Cette exposition est née de votre chemin photographique qui est jusqu'à présent resté plus intime. Comment êtes-vous venu à une idée de cette exposition?
En réalité, tout est né un peu par hasard, sans intention programmatique. Patricia Armocida m'a contacté qui avait vu certaines de mes photos sur Instagram – des images que j'ai placées sans conception précise, plus pour la passion personnelle – et ils ont proposé de construire un projet d'exposition.
« Double Use Use » n'est pas une exposition photographique mais une exposition de photographies.
Je n'avais jamais pensé à vraiment exposer: la photographie est une passion que je réalise depuis des années, parallèle à la musique. J'ai toujours pris, collecté, observé, accumulant des centaines d'images. Je me suis donc retrouvé avec une archive de plus de deux mille photographies, dont nous avons fait une première sélection. Puis, avec le conservateur, il y a eu un autre travail d'écrémage, jusqu'à environ deux cents tirs pour construire l'exposition. Ce fut un processus long mais nécessaire, ce qui a rendu la vision que j'avais éliminée.
Comment avez-vous travaillé sur la conservation? Avez-vous laissé la liberté à la galerie ou avez-vous intercuré directement?
C'était une conservation partagée. J'ai beaucoup travaillé en contact étroit avec Patricia, non seulement dans la sélection finale, mais aussi dans le choix des formats, des tirages, de la disposition. Certaines des photographies étaient des photos que j'avais déjà eues depuis un certain temps, je les ai faites spécifiquement pour cette exposition. Il y a une forte composante émotionnelle, car de nombreuses images sont liées à mon histoire personnelle, en Sicile, à ses contradictions, à ses silences. La division en trois macro-sections est née précisément d'un besoin de conservation, mais aussi du désir de mettre l'ordre dans un matériel vaste et intime.
Le titre Double utilisation unique Il semble jouer avec un certain sentiment d'ambiguïté. D'où vient-il?
Le titre est né presque comme une blague, mais il a ensuite acquis un poids symbolique. Il dérive d'une réflexion sur les maisons de ma grand-mère et de sa sœur My Tend, qui vivent aujourd'hui ensemble dans ce qui était une « double utilisation unique » – une maison conçue pour deux, qui accueille maintenant deux veuves. C'est un endroit où vous pouvez respirer une certaine mélancolie, un espace partagé qui indique une solitude multipliée et silencieuse. J'étais intéressé par cette idée de cohabitation forcée, suspendue entre le passé et le présent, entre plein et vide. L'exposition réfléchit à cela: l'architecture de l'absence, la poétique des vies vécue et abandonnée.
Le vôtre est une histoire a presque la forme d'archéologie de l'hôtel. Pouvez-vous nous dire?
Je suis titulaire d'un iPhone depuis quinze ans, plus ou moins puisque la musique est devenue mon travail principal. J'ai documenté des centaines de chambres d'hôtel: des chambres fatiguées d'être des chambres mais qui doivent raconter des histoires. Chambres consommées, vénale mais jamais juge, pleine d'objets récurrents: des clés lourdes ou des cartes usées, un sèche-cheveux épuisé tel que la respiration âgée, des téléphones qui ne sonnent jamais, les barreaux épuisés dans une rangée militaire, un coffre-fort sans sécurité et vide, des téléviseurs avec des décodeurs séparés. Cordeaux d'urgence à l'intérieur des réservoirs avec des produits chimiques psoriasis, réforme avec des liqueurs minignon qui prie pour être ivre, claudiquant les connexions Internet, des lunettes en plastique ennemies – car « l'hygiène est une priorité »; Les coussins de velours de l'éternuement à la seule vue, « servent silencieux » qui aurait dû être retiré pendant un certain temps. Les salles ressemblent à un Stargate avec des tangentopoli, des ascenseurs qui montent paresseusement et descendaient des petits déjeuners minimaux vers le sel. Jui d'orange orange espagnol avec une saveur médicale, le bacon stocké à côté des œufs brouillés par la vie. Parfois, vous trouvez la machine à crêpes. Extincteurs. Un de mes chers amis m'a dit un jour que j'avais photographié un panier, donc seulement qu'il semblait déprimé.
De nombreuses images semblent indiquer indirectement en Sicile, à travers des objets, des espaces, des détails. Est-ce un choix souhaité?
Oui, j'ai délibérément décidé d'exclure la figure humaine. Je ne suis pas intéressé par le portrait comme une forme d'authentification de la réalité. Cela me semble souvent un mode rhétorique, même un peu intrusif. Je préfère dire l'action de l'homme à travers ce qu'il quitte: un câble, une assiette en plastique mis pour effrayer les chats, une chaise déplacée. Ce sont des traces, des signes, des dysfonctionnements quotidiens. Les paradoxes de la vie m'attirent, les objets susmentionnés, les escaliers qui n'apportent nulle part, les portes murales. Il y a une Sicile qui résiste à ces détails, une beauté tordue, qui se manifeste dans la décomposition plutôt que dans la composition.
Y a-t-il une image que vous vous sentez plus représentative de votre regard?
Peut-être un déclenché à Pantalica, la nécropole rocheuse près de Syracuse. Un endroit incroyable, l'héritage de l'UNESCO, un canyon où la rivière Anapo coule. Là, j'ai également écrit un petit texte poétique qui accompagne l'exposition, presque une bande-son visuelle. Je suis très lié à cette image, car elle représente bien la fusion entre la nature et la mémoire, le temps qui se couche. C'est une photographie, mais il pourrait aussi être de la musique lente et stratifiée.
Votre travail visuel semble dialoguer naturellement avec celui musical. Dans quelle mesure ces deux pratiques sont-elles connectées?
En réalité, les deux côtés de la même médaille ont toujours été. Même en musique, pour moi, la composante visuelle est fondamentale. Chaque chanson a son propre paysage, sa couleur, sa lumière. Quand je tire, je ne pense jamais uniquement à la photo, mais aussi au son que cette image pourrait avoir. C'est une question de rythme, de composition. Dernièrement, j'écoute beaucoup de musique instrumentale et ambiante, presque rien dans une voix. Peut-être parce que le mot cotte parfois. Aussi dans mon travail sur la bande originale du film « Iddu« – Sur la figure de Mattia Messina Denaro – Je me suis concentré exclusivement sur le son, et ce fut une expérience pleine de libération.
Ces dernières années, il existe une osmose croissante entre l'art visuel et la musique. Comment le vivez-vous de l'intérieur de cet échange?
Je pense que c'est une conséquence naturelle de l'idée d'un artiste mondial. Cela a toujours été comme ça, si vous pensez au Velvet Underground ou à Laurie Anderson: musique, image, performance, tous mitigés. Aujourd'hui, c'est peut-être plus visible car il y a moins de barrières, moins de définitions rigides. L'image n'est plus seulement une couverture: elle fait partie de l'histoire. Dans mon cas, la photographie est une forme parallèle d'écriture.
Vous avez parlé de photos qui semblent « compositions ». Est-ce ainsi que vous concevez la photographie?
Exactement. Je ne tire pas pour documenter, mais pour composer. Je n'ai jamais de projet précis: le photographe comme j'écris des notes. C'est un geste instinctif, parfois primitif. Comme si je ramassais des matières premières, qui courent ensuite au fil du temps. Certains coups je les ramènent des années plus tard, d'autres les ont laissés sédiments. La photographie pour moi est comme une chanson sans voix: Evokes, suggère, n'explique pas. Et je crois que dans cette exposition, cette approche se fait sentir, faite de suggestions plutôt que de thèse.
Projets futurs? Allez-vous continuer à exposer ou à revenir à la musique?
Je ne fais pas de grands étages. Je continuerai certainement à photographier, mais sans l'urgence de tout montrer. C'est un geste qui reste intime, même lorsqu'il devient public. Cela dit, je voudrais continuer dans cette direction hybride: peut-être une exposition avec un disque ou un disque avec des images. Nous verrons. L'important est qu'il y a toujours un peu de trouble, surprise.
La galerie
Crédits photo Lorenzo Urciullo. Giulia parlé
