Quarante ans de carrière, plus de soixante millions de disques vendus et une trajectoire qui a amené le blues italien sur les scènes du monde entier.
A l’occasion du concert au Stadio Dall’Ara de Bologne, l’une des dates les plus marquantes de visitesZucchero a rencontré la presse pour retracer un parcours artistique que peu de personnes en Italie peuvent décrire avec la même autorité.
Entre souvenirs et réflexions, Adelmo Fornaciari parcourt quatre décennies de musique, en se concentrant sur les rencontres qui ont marqué sa carrière, des collaborations avec Miles Davis, Brian May et Robert Plant aux grands événements internationaux dédiés à Nelson Mandela. Des anecdotes qui racontent un artiste capable de construire un langage universel sans jamais perdre le lien avec ses racines.
Il y a aussi un regard sur le présent. Zucchero aborde le thème de la transformation de la musique live, de l’explosion des concerts dans les stades et du poids de plus en plus déterminant des réseaux sociaux dans le succès des artistes de la nouvelle génération. Un changement qu’il observe avec curiosité, tout en revendiquant un chemin construit dans une époque où ce sont avant tout les disques et la scène qui parlaient.
Le résultat est le portrait d’un musicien qui continue de regarder vers l’avenir sans se livrer à la célébration du passé, conscient que la crédibilité, plus que le succès, reste l’atout le plus difficile à conquérir et à défendre.
L’ENTREVUE
Ces dernières années, vous êtes probablement devenu l’artiste italien le plus international. En regardant votre carrière, entre collaborations et concerts aux quatre coins du monde, quels sont les souvenirs qui vous tiennent le plus à cœur ?
Il y en a tellement que j’ai même du mal à les mettre en ordre. L’un des moments les plus excitants a été lorsque Brian May m’a appelé pour participer au concert dédié à Freddie Mercury. Puis la collaboration avec Miles Davis, qui était quelque chose d’extraordinaire.
Je me souviens aussi du concert de Nelson Mandela en Afrique du Sud, un de ces événements qu’on n’oublie jamais.Je me souviens aussi des vingt-quatre dates au Royal Albert Hall pour soutenir Eric Clapton. Mais au-delà de la magnificence des scènes, restent imprimés en moi les choix instinctifs, ceux qui défendent une éthique : comme lorsque, devant couvrir deux événements le même jour entre Rome et Paris, j’ai catégoriquement refusé le jet privé.
J’ai dit à la direction : « Pas de vols privés. Organisons-nous avec la police si nécessaire, mais je vais à Fiumicino avec des vols réguliers. »
Je ne voulais pas de spéculations sur un faux activisme écologique soutenu par des privilèges. Ce sont des positions qui perdurent, tout comme la grande musique.Et puis il y a des épisodes plus personnels, comme la première fois que j’ai vu des aurores boréales avec Robert Plant en Norvège, toujours à l’occasion d’un événement pour Mandela.
Aujourd’hui, les stades s’agrandissent et les concerts sont devenus des événements gigantesques. Vous avez traversé des époques de live très différentes. Comment voyez-vous cette évolution ?
Il y a un Janus évident à deux visages. D’une part, nous assistons à une augmentation mondiale de la demande de musique live post-Covid, un désir compréhensible d’agrégation.
J’ai moi-même beaucoup semé dans ce sens et j’en récolte les fruits.
Mais d’un autre côté, les jeunes artistes d’aujourd’hui ne sont pas de simples communicateurs : ce sont de véritables machines de guerre.
Grâce aux réseaux sociaux, ils ont éliminé les délais de propagation, rendant impossible toute comparaison avec le passé.Ils se déplacent sur des scènes immenses, courent, dansent, chantent peu, échantillonnent et créent des scénographies monumentales. C’est un phénomène qui n’a pas d’explication unique, mais l’impact numérique est indéniable. Je n’appartiens pas à ce monde, je n’en comprends pas les codes.
« Les Bleus » continue d’être l’un de vos disques les plus appréciés. Comment expliquez-vous une longévité aussi extraordinaire ?
La longévité de Bleus réside probablement dans son architecture géométrique et son honnêteté intellectuelle : neuf titres, dont huit sont devenus des hits instantanés et viscéraux.
Il y avait une sincérité d’intention qui interceptait l’air du temps d’une époque.
Je pense aux textes que Gino Paoli m’a écrit Avec tes mains Oh Baila (chose sexy)écrit avec mon beau-frère qui était peintre et non auteur, avait un poids spécifique rare.
Et puis le rythme, ce « Hé mec, c’est toi qui m’as choisi » est immédiatement devenu un manifeste générationnel. Quant au groupe, la stabilité est ma force.
Des musiciens comme Polo Jones, feu Giorgio Francis, James Thompson ou Adriano Molinari m’accompagnent depuis vingt-cinq ans.
Ils savent tout. A leurs côtés j’insère du sang neuf recherché en dehors des circuits traditionnels : j’ai découvert la choriste Oma Jali sur YouTube tandis qu’Aretha Franklin chantait habillée en chamane ; elle a une animalité artistique folle, elle est arrivée aux répétitions générales sans avoir besoin d’audition.
Ou Keeva Williams, une fille de Trinité-et-Tobago qui joue de la clarinette et du sax avec une formidable formation gospel, et le claviériste Peter Vettese de Glasgow, qui a travaillé avec Eurythmics et a un goût mélodique jamais ennuyeux. Avec une telle machine, je peux me permettre le luxe d’improviser un morceau de la setlist à la dernière seconde, sans prévenir. Ils ont plus de trois cents pièces en mémoire. Le risque d’erreur est ce qui entretient l’enthousiasme.
Vous avez signé des albums vendus à des millions d’exemplaires, définissant l’imaginaire collectif. Aujourd’hui, avec l’effondrement du marché du phonographe, est-il encore judicieux d’enregistrer un album ? Comment justifiez-vous votre longévité artistique ?
Écrire un album aujourd’hui, après avoir signé plus de 350 chansons entre répertoire personnel et chansons vendues à d’autres, est un exercice d’une extrême complexité.
Luciano Pavarotti m’a toujours répété quelque chose de fondamental : « Le problème n’est pas de maintenir le succès, les médias ou un bon bureau de presse s’en chargeront. Le problème est justifiez-le».Lorsque vous publiez un nouveau travail, vous devez justifier l’intégralité de votre histoire. Aujourd’hui, alors que les chiffres de ventes du passé sont pour chacun une pure utopie, la seule raison de faire un disque est la comparaison intellectuelle avec ses collègues et avec soi-même.
Vous ne devez entrer sur le terrain que si vous êtes sûr d’avoir entre les mains huit ou neuf pièces capables de supporter le poids de ce passé, en gardant intacte l’honnêteté de la proposition.
Au-delà de Salmo, pour qui vous avez souvent exprimé du respect, y a-t-il quelqu’un parmi les auteurs de la nouvelle génération italienne qui vous intrigue ou trouvez-vous le panorama plat et homologué ?
Les noms sont souvent mal compris ou des malentendus verbaux surviennent à propos de combinaisons passées. Si je dois regarder le scénario urbain et pop actuel, je trouve l’écriture de Marracash très intéressante ; Il a une densité et une épaisseur notables. J’aime aussi beaucoup Blanco, pour son énergie et sa fraîcheur de performance. Il y a du talent, l’important c’est qu’il ne se laisse pas apprivoiser par la logique algorithmique des multinationales.
LES DATES
8 juillet au Stade Adriatico de PESCARA
11 juillet à l’Arena Santa Giuliana (Umbria Jazz) à PÉROUSE
14 juillet au Stade Franco Scoglio de MESSINE
16 juillet aux Murailles Historiques (Lucca Summer Festival) à LUCCA
Après la tournée dans les stades italiens cet été, un grand événement en 2027 pour célébrer les 25 ans de « Baila », l’une des chansons les plus aimées de sa carrière
BAILA 25E SAN SIRO
Au clair de lune
LA GRANDE FINALE
10 juin 2027 – Stade San Siro – Milan
Également en 2027, il y aura 10 dates autour de l’anniversaire de Zucchero à l’Arène de Vérone et pour le 40e anniversaire de Blue’S, 10 autres dates en 2028.
INFOS & BILLETS
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WEB ET SOCIAUX
www.zucchero.it
