NAYT : « io Individuo » est un album de recherche, une enquête plutôt qu'une réponse

Il y a un moment, dans la recherche sonore de nouidans lequel l’écriture cesse de courir après la forme et commence à interroger le monde qui l’entoure. « leou Individuel »le dixième chapitre de sa discographie, s’inscrit exactement là : non pas comme une simple évolution linéaire, mais comme une friction consciente entre identité et représentation.

Un an et demi après »Lettre Q »ce n’est pas non plus un disque composé de treize morceaux qui agissent comme un champ de tension entre individu et communauté, entre exposition et soustraction, entre langage et perception.

Le rap s’hybride avec une posture plus proche de l’écriture de chansons et l’écriture reste le centre nerveux, mais s’ouvre aux interférences visuelles, conceptuelles, voire philosophiques.

Un disque qui n’a pas la posture du rap et de la recherche de tubes. Juste une collaboration délicate et profonde de « Stupido pensiero » avec Elisa : une rencontre artistique entre deux âmes qui aboutit à un morceau émotionnel, sur une boucle de guitare qui revient pendant toute la durée de la chanson.

L’album comprend également la chanson de Sanremo « Prima che » (écrite par nayt et produite par Zef), née de la nécessité de remettre en question ce qui reste quand on supprime toutes les structures sociales, coutumes et habitudes qui gênent souvent les relations humaines, revenant ainsi à la rencontre et à la connaissance de qui l’on est vraiment, et « A man », sorti en octobre dernier, synthèse parfaite du thème central du projet, avec sa question illustrative : « comment fait-on pour être un homme ?

Voici ce qu’il a déclaré lors de la présentation de son album.

L’ENTREVUE

À Sanremo, vous avez apporté une pièce tout sauf accommodante. Quelle a été l’expérience, au-delà du classement ?

J’ai quitté Sanremo très satisfait. C’était important pour moi d’amener ce genre de langage à ce stade. Il n’était pas évident qu’une chanson de rap aussi complexe, même complexe, puisse susciter ce genre de réponse. C’était une opportunité pleinement exploitée, sans compromis.

Il y a deux intermèdes parlés très intenses sur l’album. L’un est avec ta mère, l’autre ? Et pourquoi inclure ces entrées ?

Oui, ma mère est dans la première. Dans le second il y a une personne fondamentale pour moi, une sorte de mentor.

J’ai toujours été intéressé par l’insertion de voix externes dans mes disques. C’est une manière d’élargir le champ, pour ne pas rester fermé à mon avis. Dans ces intermèdes, nous parlons de dévotion, d’idolâtrie, de contradictions. Ce sont des questions qui concernent tout le monde : l’individu, la société, même moi en tant qu’artiste. Il n’était pas nécessaire d’expliquer autre chose, ces voix disent déjà tout.

Le titre je jeindividuel c’est presque un oxymore. Comment est-il né ?

C’est grâce à l’écriture qu’elle est apparue. J’ai remarqué que le mot « individu » revenait sans cesse. Et j’ai réalisé que le point crucial était précisément cela : la difficulté de se sentir partie intégrante de quelque chose sans se perdre.

L’album tourne autour de cette question. Comment allons-nous ensemble ? Comment pouvons-nous rester ensemble ? Et j’essaie d’y répondre à travers différentes relations : émotionnelles, sociales, professionnelles. Je parle de l’industrie, du public, des origines, des relations personnelles. Il s’agit d’une enquête plutôt que d’une réponse.

La chanson avec Elisa est l’un des moments les plus surprenants de l’album. Comment est née la collaboration ?

Cela ne vient pas de moi. C’est elle qui l’a proposé. Nous nous sommes rencontrés dans le studio un matin et y sommes restés jusque tard dans la nuit, construisant tout à partir de zéro.

Ce fut une expérience très forte. Je pense qu’il a apporté quelque chose qui manquait au dossier. Quand je perçois qu’une présence a du sens, alors je la veux vraiment dans le projet.
Et dans ce cas, c’est totalement arrivé. C’est l’une des chansons dont je suis le plus fier.

«Meeting Point» apparaît comme un compte à rebours avec le passé, notamment dans la relation au féminin. Est-ce ainsi?

Cela fait partie d’un voyage. Si vous regardez la tracklist, il y a une séquence : « A man », « Origini », « Meeting point ». C’est un mouvement.

J’essaie continuellement de remettre en question ce que signifie être un homme. Et pour cela, je dois retourner à mes racines, comprendre d’où je viens. « Meeting Point » semble s’adresser à une femme, mais en réalité il s’adresse au féminin dans un sens plus large.

Il ne donne pas de réponses. Il ne ferme pas. C’est un effort vers quelque chose qui ne sera peut-être jamais réalisé. Je ne travaille pas sur les regrets, je ne suis pas intéressé à juger ce qui s’est passé. Ce qui m’intéresse, c’est d’observer, de me concentrer, de continuer à chercher.

Si vous deviez décrire les émotions que vous avez ressenties en écrivant cet album, quels mots utiliseriez-vous ?

Il est difficile de répondre de manière linéaire. Il s’agit d’un dossier de recherche, donc les émotions ne sont pas une chose unique et définie.

Tout ce qui est à l’intérieur, tout ce qui vient à l’auditeur, c’est exactement ce que j’ai ressenti. Ce sont des fragments, des moments différents, mis en musique et en paroles.

Je préfère que d’autres les définissent. Si je le faisais, je risquerais de fermer quelque chose qui devrait rester ouvert.

Par rapport à vos travaux précédents, avez-vous l’impression d’avoir trouvé quelque chose ou cherchez-vous encore ?

Je ne sais pas si j’ai trouvé quelque chose ou si je continue à le chercher.

Certainement par rapport à Raptus tout a changé. Onze ans se sont écoulés et c’est tout naturellement qu’il y a eu une croissance, une maturation. Aujourd’hui, je suis plus conscient de mes ressources, en tant que personne et en tant qu’artiste, et je peux mieux les mettre en musique.

D’un point de vue technique j’ai développé un langage plus précis, une écriture plus complexe mais aussi plus lisible. Et je pense avoir une vision plus claire de mes goûts, de mon identité musicale.

Mais il ne s’agit pas d’arriver. Chaque album, lorsqu’il se termine, laisse surgir de nouvelles questions. Et à juste titre. S’ils cessaient d’être là, les autres cesseraient probablement aussi.

Le thème animalier revient beaucoup dans le projet visuel de l’album. Qu’est-ce que ça veut dire?

C’est un chemin qui vient aussi de l’album précédent. Il y avait des fleurs là-bas, ici il y a des animaux.

Dans les visuels, on retrouve différentes créatures, parfois liées, parfois isolées. C’est une façon de nous rappeler notre nature la plus fondamentale.

J’essaie de supprimer, au moins symboliquement, les structures sociales qui nous définissent. Non pas parce qu’ils ont tort, mais parce qu’il y a autre chose sous ces structures.

Ce qui m’intéresse, c’est d’y arriver, sous la surface, et d’essayer de voir ce qui reste.

La couverture a une imagerie très forte. Comment est-il né ?

C’est le résultat d’une longue recherche avec un artiste, Ozy. À un moment donné, nous avons trouvé un tir de Hannes Wallrafen qui nous a immédiatement touchés.

Nous avons décidé de le reprendre et de le réinterpréter, tout en laissant place à la lecture libre.

Pour moi, le symbole central est le cheval blanc qui fait irruption dans un espace artificiel. C’est une image puissante : quelque chose de vivant qui brise une construction.

Il était important de le faire de manière analogique et humaine. Aucun artifice numérique. Même les peintures sont réelles, exposées physiquement. Je voulais que ce concret soit perçu.

Voici quelques photos de vous qui accompagnent l’album. Par ailleurs, l’installation immersive présentée à Sanremo, entre miroirs et mots, semble élargir votre langage. Dans quelle mesure est-il important pour vous d’entremêler différentes esthétiques et de garder le mot central ? Quel rapport entretenez-vous avec la photographie ?

Ce sont des réflexions que je ressens beaucoup.

J’essaie toujours de construire une expérience immersive, quelque chose qui implique tous les sens. Les miroirs, par exemple, sont un symbole fort : ils représentent la fragmentation de la réalité dans laquelle nous vivons aujourd’hui.

Il y a une répétition continue de l’image, une sorte de duplication de l’identique. C’est un mécanisme que l’on retrouve aussi dans les algorithmes, qui ont tendance à nous montrer uniquement ce qui nous ressemble, ce qui confirme ce que nous sommes déjà. Cela nous éloigne de l’autre, de la comparaison, de la possibilité d’un véritable dialogue.

La photographie s’inscrit dans cette discussion. Ces dernières années, j’ai commencé à filmer en argentique, j’ai commencé au Japon et j’ai ensuite continué ailleurs. C’est devenu une forme d’expression parallèle à la musique.

Dans le projet d’album, nous avons choisi de ne pas me mettre sur la pochette, ni de symbole explicite de l’individu. L’idée était que l’individu devienne le spectateur, l’auditeur. Encore une fois, déplacez le centre de l’artiste à l’autre.

L’insertion des photographies dans le disque vient de là : représenter mon regard, mais le laisser ouvert, disponible à ceux qui le traversent.

Vous sentez-vous faire partie d’une génération qui passe ?

Oui, je le pense. J’ai 31 ans et je sens que ma génération peut servir de pont.

D’un côté, il y a les plus jeunes, déjà nés dans la technologie. En revanche, ceux qui sont arrivés plus tard, avec un autre type de formation.

Nous sommes au milieu. Nous connaissions les deux langues.

Je me souviens encore d’une autre façon d’écouter la musique : les CD, le temps qu’il faut pour atteindre un morceau, l’attente. C’était une expérience plus lente et plus complexe.

Aujourd’hui, tout est immédiat. Et cela vaut pour la musique mais aussi pour le reste.

Nous avons donc une possibilité, mais aussi une confusion. Il est difficile de comprendre qui vous êtes vraiment lorsque vous êtes tiraillé des deux côtés.

Et peut-être que ce conflit, en fin de compte, est le même que celui qui traverse tout l’album.

LA COUVERTURE

La couverture de l’album est une peinture acrylique sur toile de 120×120 cm peinte à la main par l’artiste Ozy et inspirée de la photographie « De Schimmel » (1992), prise par l’emblématique photographe allemand Hannes Wallrafen.

LA TRACKLISTE

1. Écriture
2. Exister (plus que moi)
3. L’astronaute
4. Vous y êtes né, vous y mourez
5. Un homme
6. Origines – Intermède
7. Point de rendez-vous
8. Fort
9. Exploit de pensée stupide. Élisa
10. Avant ça
11. Au revoir xx
12. Soyez nous
13. Contradictions – Intermède

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EN MAGASIN

Vendredi 20 mars à 17h30 à L’Archivolto (via Marsala, 3) – MILAN
Samedi 21 mars à 11h30 à la Gare Centrale Feltrinelli (Piazza Giuseppe Garibaldi) – NAPLES
Samedi 21 mars à 17h30 à la Discoteca Laziale (via Mamiani, 62/A) – ROME
Dimanche 22 mars à 11h30 au Semm Music Store & More (Via Guglielmo Oberdan, 24F) – BOLOGNE
Lundi 23 mars à 16h30 à la Galleria Del Disco (c/o Le Murate Caffè Letterario, Piazza delle Murate) – FLORENCE
Mardi 24 mars à 17h00 à Feltrinelli (via Roma, 11) – CAGLIARI
Mercredi 25 mars à 17h30 à la Librairie Mondadori (Piazza Castello, 117) – TURIN
Jeudi 26 mars à 17h30 chez Feltrinelli (via Cavour, 16) – PALERME
Vendredi 27 mars à 17h00 à la Librairie Mondadori (via Gabriele D’Annunzio, 115) – CATANE
Samedi 28 mars à 16h30 au Centre de Musique (Corso Vittorio Emanuele II, 165/C) – BARI

LA VISITE

Après l’expérience de Sanremo, une période entièrement dédiée aux spectacles live s’ouvre pour Nayt au second semestre et avec le « Noi Individui Tour », il emmènera son dernier travail à travers l’Italie.

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